Crítica Literaria Hispanoamericana

QUÉ ES LA BELLEZA

2012-01-13T06:16:00.000-08:00

Por Edgar Vidaurre

“No hace falta adornar la apariencia para convocar la belleza,
en todo caso lo que haría falta es liberar al paisaje de nosotros
mismos.”
CG Jung

“En el principio creó Dios los cielos y la tierra.
Y la tierra estaba desordenada y vacía, y las tinieblas estaban sobre la
faz del abismo,
y el Espíritu de Dios se movía sobre la faz de las aguas.
Y dijo Dios: Sea la luz; y fue la luz. Y vio Dios que la luz era bella y
buena…
separó entonces Dios la luz de la oscuridad”
Capítulo 1 del Génesis

La Belleza en sí misma. La belleza abstracta…
Platón y
la belleza ideal. Que es La Belleza?… existe La Belleza?...
La Belleza es un ente, una
realidad?... o por el contrario, es un ideal, un desplazamiento y un
reflejo en lo concreto de nuestra necesidad mental de perfección?…

Es La Belleza el resultado de la interacción entre la forma, lo visible, lo
audible, lo perceptible y la psique del ser humano?... será La Belleza
solamente un atributo de la apariencia visible de la materia y que le
otorga subjetivamente el observante, o será más bien un reflejo, una
imagen concreta de esa otra belleza invisible a los ojos?
Se puede hablar de La Belleza por sí misma como esencia ontológica
independiente, como abstracción, o por el contrario es La Belleza un
fenómeno existencial y vivencial con múltiples determinaciones, en
definitiva: una experiencia? De ser una experiencia, será una
experiencia de orden estrictamente psicológico?... De tener La Belleza
una naturaleza puramente psíquica, tendría los atributos de los
arquetipos que constituyen lo que Jung llamó El Inconsciente Colectivo,
o podríamos decir que La Belleza es absolutamente subjetiva y por ende
perteneciente exclusivamente a la psique individual (por ende con un
marcado carácter relativo) de cada ser humano?
Por otro lado, sea lo que fuere La Belleza, estará ésta vinculada
solamente con nuestra capacidad sensible de percibir a través de
nuestros sentidos biológicos (vista, oído, gusto, olfato y tacto) o también
estará vinculada con nuestra capacidad inteligible de percibir aquello
que está más allá de lo meramente físico? Está La Belleza ligada a la luz como
fenómeno develador o manifestante de las formas y al sonido como
fenómeno develador de la vibración de la creación, o también puede
hablarse La Belleza de la sombra, del vacío, del caos?... es La Belleza el
resultado del proceso creador del mundo?… solo podemos hablar de belleza
en función de la materia o podemos sentir e intuir que existe también la belleza en potencia o la belleza de la energía, de la vibración, del espíritu creador que genera y produce la eclosión de las formas?...

Puede el hombre a su vez generar y crear belleza?... cuál es entonces la
modalidad del lenguaje humano que puede traducir La Belleza y
expresarla precisamente en términos humanos?... es entonces
la belleza el objetivo que ha venido buscado el ser humano en su necesidad
de recrear por sí mismo al mundo a través del arte? La Belleza solo se refiere al arte, al fenómeno artístico?... La Belleza es entonces inmanente al sujeto observante y contemplante, o por el contrario es el orden universal y trascendente
que penetra todas las formas? Está por ello el ser humano incluído en la
belleza del mundo en su conjunto o Pankalía?… Es La Belleza un sinónimo del bien,
y en este caso su opuesto es la
fealdad y el mal?... se podría decir que La Belleza es el atributo de lo
bueno? O por otro lado se podría decir que La Belleza es a su vez un
atributo del amor o la cualidad más significativa de la fuerza amorosa e
integradora?... es La Belleza un sinónimo de verdad?... de ser así sería La
Belleza una verdad que solamente expresa una parcialidad relativa y
variable o por el contrario, La Belleza es una verdad que expresa una
sumatoria integradora y abarcante?...

Todas esta preguntas, han inquietado al hombre desde su necesidad
racional de explicarse el mundo, pero sobretodo y también, lo han
conmovido y asombrado desde sus atributos emocionales, anímicos y
espirituales. Pero con seguridad la única respuesta y la síntesis para
tantos interrogantes sea una sola y precisamente esa: La Belleza.
Aunque ya antes Pitágoras había medido y mensurado La Belleza de las
formas, (estableciendo que todo es número), descubriendo y revelando
las nociones de la proporción y la armonía, es Platón quien despoja y
libera a La Belleza del límite exacto con que la somete la dimensión
espacial de la luz, de lo visual o auditivo perceptible a través de los
sentidos, para ir más allá de la medida y la proporción de las cosas, y
darnos así, una visión más metafísica, mística y poética de la belleza
desde lo invisible y oscuro.Este juego de luces y de sombras y el proceso
que se constituye a través
de las esencias ideales y las formas que las reflejan
cuando son traspasadas y arrojadas ante nuestros ojos como una sombra, es
visionado por Platón como un suceso único, abarcante, absolutamente
dependiente y comunicado entre sí. Podríamos asimilarlo plenamente al
ciclo infinito de la creación y el paso de la potencia a la materia, del caos
a la forma, de la sombra a la luz, de lo invisible a lo visible.

Lo que vemos inicialmente (o ilusoriamente) no es La Belleza de manera
directa, si no su reflejo o “su Resplandor” en las formas… apenas su
sombra proyectada a través de nuestros órganos sensibles, en la
pantalla emocional de nuestra psique o alma.

En realidad siento que Platón nos habla de lo visible como una ilusión,
como un efecto óptico-lumínico que no nos aporta de manera directa
los datos puros de lo que él llama los trascendentales (los atributos del
Ser Verdadero), mientras que La Belleza y La Verdad nunca podrán ser
asimilados o aprehendidos por estar en la dimensión de lo ininteligible…
más allá de la razón o del intelecto. En todo caso, la belleza podrá ser
asimilada por el hombre, solamente a través del asombro y del éxtasis
que nos provoca el esplendor de esa luz que surge en medio de las
sombras. Para Platón, La Belleza es el único de los trascendentales
(trascendentales entendidos como los atributos del SER, como la
verdad, la sabiduría) que tiene imágenes visibles en la formas que
surgen del proceso creador. En otras palabras, entendemos que según
Platón, las formas visibles y/o percibibles (sonido, olor, sabor, tacto), no
participan o no contienen los atributos puros del SER Verdadero a
excepción de la belleza de cuyo atributo si participan todas las formas
creadas. Es decir que en lo bello, la creación entera participa de manera
directa con lo creante.

Es a través de La Belleza que se manifiesta la unión entre el Ser
Verdadero y el mundo visible de las formas creadas. Tal vez podríamos
decir que, precisamente todo el proceso entero de la creación que va
desde lo creante-puro hasta su emanación en la multiplicidad de las formas
(incluida la vibración que las sostiene), es lo que, cuando
podemos percibirlo a través del resplandor, llamamos Belleza.

Por otra parte, tal vez el error fundamental que ha venido cometiendo el pensamiento
occidental con respecto a esta visión abarcante de Platón, es el de pretender que
existe una separación entre el hombre y el Ser Verdadero o lo creante por un lado y
entre ese mismo hombre y el resto de la creación por otro. El mundo verdadero,
trascendente, abstracto o ideal que Plantea Platón es un mundo
absolutamente interconectado con el despliegue de formas concretas
que surgen de lo creante, mundo concreto y visible que a su vez está
también absolutamente interconectado con sus orígenes, con su
sustancia generatriz. Y bajo esta concepción abarcante, el hombre está
involucrado de manera total con estos procesos de la creación, pues es
permanentemente penetrado por el Ser creante y a su vez forma parte
integral de toda la creación.

Cuando Platón nos dice que La Belleza tiene una existencia autónoma a
su manifestación expresada en la apariencia de las formas, y que por
tanto no es un atributo particular de los objetos sensibles sino que
“resplandece en todas partes”, no nos está diciendo que no hay vínculo
entre La Belleza y las formas, sino todo lo contrario: hay un vínculo
absoluto y único entre La Belleza como entidad existente por sí misma y
las formas creadas, y ese vínculo es precisamente el resplandor o el
esplendor de esa Belleza que se esparce en todas partes.

He aquí pues, según el modo griego de asombrarse para darle sentido y
correspondencia a ese juego de luz y sombra en que se desenvuelve
todo el proceso de creación, lo que se ha venido llamando Lo Apolíneo y
Lo Dionisíaco. Esas dos tendencias que rigen el alma, en realidad no son
tendencias si no instancias de un proceso único de transformación
permanente. En el muro derecho del templo de Delfos (que se
encuentra bajo la protección del dios Apolo) está escrito: lo más exacto
es lo más bello. Por su parte en muro izquierdo del mismo templo,
encontramos el rostro oscuro y misterioso de Dionisio sin inscripción o
regla alguna que lo circunde o limite.

De esta manera, La Belleza que emerge de la luz, viene y se conforma
desde la sombra (esa oscura belleza). La apacible y serena armonía de la
proporción que ocupa el espacio que vemos, es una resurgencia de las
fuerzas oscuras y apasionadas cuya expresión ocupa y se desarrolla en
los espacios de la psique o del alma.

Tal vez por ello podríamos decir que, para Platón, La Belleza es la
manifestación en lo visible (y/o perceptible por los sentidos), de ese
vínculo entre el Ser Verdadero y el mundo creado de las formas, vínculo
al que no si no llamamos fuerza amorosa o integradora (o Amor a
secas) no sabríamos que nombre darle. Igualmente la Belleza, al ser uno
de los atributos del Ser Verdadero o Creante, y precisamente aquel del
que participan las formas creadas bajo ese orden amoroso, es absolutamente
asimilable a la Verdad como elemento y atributo
trascendental de ese Ser Verdadero, de cuya emanación (o psique)
provienen y devienen incesantemente.

En el prólogo del libro El silencio del
árbol de la poeta Maite Ayala sentíamos qué la verdad no podía
ser otra cosa si no La Belleza...“La luz y la belleza son reflejos de la
verdad. El amor terreno encendido por la belleza mundana es el primer
peldaño en el camino ascendente que lleva al alma a la contemplación de la belleza como tal, que no es otra cosa que la verdad. La belleza pertenece al mundo de las ideas y es a partir de ellas que el hombre crea el mundo real". Platón, aquí nos
habla de que únicamente La Belleza en todo su esplendor y el amor que
suscita en el hombre, es el punto de partida, el punto de retorno
posible para el recuerdo y la contemplación de la sustancia ideal y por
ende de la verdad.

La identificación posterior de la verdad con la belleza, ya en pleno
Romanticismo, nos la entrega Hegel cuando afirma que: Belleza y
verdad son la misma cosa y sólo se distinguen porque la verdad es la
manifestación objetiva y universal de la idea, en tanto que lo bello es su
manifestación sensible. Fue sin embargo San Agustín, quien de una
manera arrebatada nos reafirma que ante la belleza –que sólo pude
venir de Dios- se redimen y purifican todos los aspectos contradictorios
del hombre. En esa hondura angustiada entre la consciencia de la culpa,
del pecado y el anhelo clamoroso hacia Dios, surge la belleza para salvar
al hombre: amaba esa “otra belleza” de las cosas mundanas, y luego
iba a lo profundo y decía a mis amigos ¿acaso amamos algo sino lo
bello?...Di te lo ruego, ¿podemos amar algo que no sea lo bello?...tarde
te amé, belleza tan antigua como nueva…tarde te amé…(Confesiones
IV, 13).

La creación en todo su proceso que va desde la voluntad creadora del
Ser, a la aparición de las formas, es precisamente emanación pura,
vibración transformadora cuya energía tiene, (y así podríamos verla), un
naturaleza psíquica, es decir, la parte física y concreta de la creación es
apenas una instancia dentro de la infinita dinámica en que se despliega
el proceso desdoblante y multiplicador del Ser. En otras palabras la
potencia creadora capaz de provocar el incesante devenir de la potencia
a la materia y viceversa, es de naturaleza psíquica, de la cual participa el
ser humano de una manera especial y privilegiada. De hecho, el proceso
de alquimia espiritual que es capaz de llevar al ser humano desde un
principio instintivo y animal a consustanciarse con al espíritu puro, es
absolutamente un proceso psíquico, cuya dinámica también consiste en
ese paso incesante de correspondencias entre las sombras a la luz, o
como diría el Maestro Jung, la auto-realización del inconsciente.
Esta visión abarcante e indisoluble de la belleza-amor-verdad que
resplandece como el fulgor de la creación, tiene su expresión
contemporánea y a la vez perenne, en este párrafo del Maestro Jung
cuando nos dice que: “La belleza y la verdad como atributos de la fuerza amorosa
se pone de manifiesto tanto más plenamente cuanto mayor
cantidad de instinto sea capaz de contener. Pero cuanto más sofoque el
instinto al amor más sale a la luz el animal. El amor se revela
empíricamente como la fuerza del destino por excelencia, tanto si
aparece como vulgar concupiscencia o como la afección más espiritual.
Es uno de los móviles más poderosos en los asuntos humanos. Cuando se
lo considera “divino”, entonces esta denominación se le aplica con todo
derecho, pues a lo más poderoso en la psique se le llamó desde siempre
“Dios”.

Siempre y en todas partes se llamó divino a lo que posee la máxima
potencia psíquica. Sin embargo, Dios siempre es contrapuesto a las
personas y se lo diferencia expresamente de ellas. El amor, con todo, es
algo común a ambas partes. Este mundo solamente es vacío para aquel
que no sabe dirigir su libido a las cosas y personas para hacerlas vivas y
bellas. Solamente la resistencia que su no-querer opone al querer
produce esa regresión que puede convertirse en el punto de partida de
un trastorno psíquico. El problema del amor pertenece a los grandes
padecimientos de la humanidad, y nadie debería avergonzarse del hecho
de tener que pagar su tributo.”

Edgar Vidaurre

Fuente: www.edgarvidaurre.net

Aladar Temeshy y El Libro de las Decepciones

2011-08-27T07:26:00.001-07:00

Por Carmen Cristina Wolf

Abra las páginas suavemente
como quien ya sabe que los libros
no son para hablar de ellos
y ha aprendido a hacerles el amor
Adalber Salas
La voz poética de Aladar Temeshy está ligada íntimamente a su manera de comprender la existencia y al pensamiento reflexivo. El trasfondo de su escritura es una recia batalla entre la exuberante policromía de la creación y el demoledor paso del tiempo, que todo lo destruye. De sensibilidad contemplativa, tal vez por su profesión de arquitecto y por su dedicación a la docencia, Temeshy conduce al lector, desde la más sublime hermosura de la naturaleza y de las ciudades, hasta el dolor y el desaliento por la pérdida de los afectos y de los lugares más entrañables.

Aladar es un romántico a la manera de Rilke. No se reconcilia con la creencia en Dios y en la inmortalidad del alma, no obstante, medita sobre estos temas con la angustia del que se asoma al abismo. Como si hubiera escuchado la voz del poeta alemán, su poesía transcurre entre luces y sombras, dejándonos caminar, detenernos a nuestro antojo, sin rumbo fijo, a veces por senderos que conducen a un mismo lugar, para que el lector elija quedarse entre el bosque pleno de vida, y no obstante cruzada de laberintos, y la negrura de lo desconocido. Recordemos lo que dice Rilke:

Vivo mi vida en círculos que se abren
sobre las cosas, anchos.
Tal vez no lograré cerrar el último
pero quiero intentarlo.
Aladar escribe en su poema Mediodía:

El sol derrite los rostros errantes
escondidos entre las moradas lavandas
los laberintos se abrieron
el mundo es caliente, vertical
el mediodía se comparte
entre el hombre y su inercia
el sueño devoró ya su sombra

En “El libro de las decepciones” de Aladar Temeshy, editado en el 2008 por Diosa Blanca, el prologuista y editor, Edgar Vidaurre, escribe: “En el corazón de la palabra decepción, convergen tres de los aspectos más reveladores de nuestra humanidad a saber: el dolor, la desesperanza (o más bien, la esperanza herida) y la conciencia del engaño y la verdad”... Ante la decepción, se abren dos sendas: o el hombre sucumbe en la maraña intrascendente su propio existir, o trasciende el sufrimiento a través de la transformación existencial.
Y es el camino que toma Aladar ante tal disyuntiva. Trascender, mediante la escritura, a través de palabras que desgarran las páginas de sus libros, especialmente de este poemario “Al margen de la tarde”, que nos deja con el deseo de leerlo una y otra vez, escrito con la entereza y la precisión del oficiante que se aferra a la poesía como “una forma de existencia, de elevación de la existencia, de la presencia fuerte de la existencia”, como escribió el maestro Alfredo Silva Estrada, amigo personal de Aladar.

Al margen de la tarde está dividido en dos partes: 40 poemas que corresponden al capítulo que lleva el título del libro, y un capítulo de 9 poemas, cuyo título es Cuentas del Tiempo. La exquisita belleza del primer poema del libro, nos lleva al “encanto de un universo ensoñado / en un aljibe virgen / sin fondo y sin rimas”:

Es una tarde larga
del encanto de Schumann
en el policromado otoño
surgido de las blanquinegras
teclas del piano grande
en la tamizada luz dorada
de una eternidad.

LA MUERTE, ESE ALFILER DE ORO TAN CERCA…

Luego aparecen las amargas dudas rebeldes / sobre razones del estar / o del ser y su justa existencia. Es el alfiler de oro en el pecho, que hiere en las sombras de las letras, al margen de la vida del autor. La muerte, es la última dignidad del vencido, es la trascendencia y la liberación del ser prisionero de esta vida mortal.
No obstante, el gozo de existir y la espera de instantes felices no deja de rondar los versos de este amado libro, como cuando escribe: “Sentado en la silla ajada / ajada / del pasillo / frente a la panadería / en la mesa / mi silente café / y espero / un no sé qué.”

Su poema En el pasillo, rememora a Rimbaud, el poeta que una vez escribió:
Y así ascender despacio
en un inmenso amor
de la prisión terrestre
a la belleza del día.

Y Aladar se pregunta a quién espera, respondiendo, con el saber del poeta que conoce las figuras literarias, como las dislocadas oposiciones del oximoron: “Yo, no vendré / compraré un pan canilla / ... me iré a esperar / afuera de antes / ya fuera de después.” Imagina cómo su espíritu, o su recuerdo, vendrá de nuevo a los lugares de siempre, a sentarse, a esperar. No deja de sorprender el descreído poeta, cuando escribe: “el pan o es todo / fe, devoción, plegaria, es hablar con Dios / ... canto del trigo / pan caliente.” Sólo un poeta de la talla de Aladar puede escribir, cuando pregunta quién vendrá, que no será él, pero que sí, que vendrá, de alguna manera imaginada, a la cafetería de siempre, a sentarse, a sentarse cerca de las figuras enmudecidas por la noche del tiempo, “ya fuera de después”.

El final de este libro nos brinda la clave del enigma. Cuál es la razón, el propósito, la pasión que se encierra en la escritura de Aladar Temeshy. El lo proclama suavemente, sin estridencias:

Escribo
Para sentir el verbo
Para palpar la soledad
Para entender a Dios
Para comprender quién soy
Para aprender la muerte

Carmen Cristina Wolf
Caracas, julio de 2011

*Texto leído el 27 de julio de 2011, en la Librería Alejandría I, Las Mercedes, Caracas. Presentación de El libro de las decepciones, organizado por el Círculo de Escritores de Venezuela.

En el espejo, poema de Alessandra Hernández

2011-02-18T08:27:00.000-08:00

En el espejo
(Versión II)

Abro los ojos, me miro en el espejo y veo...
Cuerpo de mujer, alma de niña, mente otoñal.

Sonrío para otros, lloro para mí
aplaudo mis denuedos escondo mi mayor derrota:
no ser poeta.

Mas vuelvo a mirarme en el espejo
y sobre mi hombro observo la imagen que me acompaña
fruto de mis entrañas.

Entonces concluyo que es esa mi mejor poesía.

Inédito

Comunicadora Social y Escritora

Gracias a la escritora venezolana Alessandra Hernández, del grupo literario Visión, por permitirnos publicar su poema confesional, leído en el
Taller de Mairym Cruz-Bernal, en su viaje a Caracas

POEMAS DE TRINA QUIÑONES

2010-11-28T06:10:00.000-08:00

Tendría que decir…

Tendría que decir
que me veo
en el limpio espejo
de nuestra conversación
las palabras descubriendo
múltiples yoes
que ya no pueden fugarse
aprisionados en el hilo telefónico

invisiblemente densos
y tomados de la mano
danzan mi insomnio
coronas rabiosas o tristes
difíciles de llevar
solitarios rigores

mientras la lluvia moja
las desoladas calles
ellos están allí y me miran

ahora
ante mi pequeño iris
mis múltiples yoes
prefieren contonearse
irrecusables y desnudos

Aguasay
para mamá

Carmen tenía los senos bonitos decía mi abuelo ya octagenario cuando seguramente una ráfaga de cundiamor alborotaba sus cabellos blancos y veía ante sí saliendo de aquellos resecos matorrales de Aguasay a aquella mulata trastornante que era mi abuela vestida por una cascada anillada de cabellos negriazules de ojos de parapara y temblorosos senos erguidos que le hacían dudar entre huir de ese matorral o quedarse para siempre

Cala Alcaufar II

Porque así conversa Él entre las rocas
atentamente
escucharé esas voces
y aún no sé bien si hay exigencia
cátedra embriagador canto

no
hay un secreto
probablemente
secreto de secretos

hay una fuerza
un prodigio que
oculto
se nos muestra el tiempo todo
sin que realmente comprendamos
su misterio
allí
desnudo
penetrado por
esa música eterna
ese rumor absoluto
esa invisible solidez
de la cual el ojo que busca
se percata

Nota biográficaTrina Quiñones (El Tigre, 1.950) es abogada egresada de la USM (caracas). Estudió Letras en la UCV (Caracas) y Artes Escénicas en la Universidad Nacional de Brasília. Se desempeñó durante 4 años como Abogado Corporativo de diversas empresas. Ha sido correctora de traducciones de poesía del ruso al español y traductora de poesía brasilera.
Ha publicado Mutación (o de cómo la cautiva escapó del espejo) (Nairobi, 1.991), Fugitiva (Brasilia, 1.993), Caminos de integración, Colectiva (Brasilia, 1.993), Ejercicios de amor (Moscú, 1.999), Nómada de lo invisible (Moscú, 2.000), Juegos de invierno (Fragmento de mi Diario Moscovita) (Moscú, 2.000), POEMARIO, I Bienal Internacional de Brasília, Colectiva (Brasilia, 2.008), La Mujer Rota. Poesía de autores y autoras hispanohablantes, Colectiva (Guadalajara, 2.008). Tiene inéditos Falsos refugios e Insomnio urbano.
Colabora con la revista Meya Ponte (Brasil), Alforja (México), EL Jabalí (Argentina), Boletines de la Academia de Literatura de Moscú, Revista Bestik Magnetogorak (Federación Rusa). Sus poemas también han sido publicados en papeles literarios de México y Brasil. Colabora como traductora, poeta y narradora en diversas páginas web. Su obra ha sido traducida al Inglés, Portugués y Ruso.
Ha recibido diversos premios a su poesía en Brasil, Venezuela y México. Es Miembro Correspondiente de la academia de Literatura de Moscú, Miembro honorario del Instituto de la Amistad Ruso-Venezolana, Miembro de la Red Mundial de Escritores en Español (REMES) y Miembro Activo del Círculo de Escritores de Venezuela.
Caracas, septiembre, 2.010.

Mujer venezolana, el siglo XX en femenino, Documental

2010-11-14T08:06:00.000-08:00

“Ese es el gran cambio que se tiene, se conquistó la capacidad de escoger”

El nuevo título de la Colección Cine Archivo: Mujer venezolana, el siglo XX en femenino, rinde un homenaje y valora el sentir social y cultural de las mujeres venezolanas, quienes son y seguirán siendo forjadoras del mañana.
Como un reconocimiento al importante rol que ha tenido la mujer en la historia del país, el liderazgo, la entrega y la presencia viva de las féminas en el devenir de nuestra sociedad, Cinesa soluciones audiovisuales, con el apoyo de Farmatodo, realizó la producción del documental: “Mujer venezolana, el siglo XX en femenino”.
La película narra la evolución de la mujer durante 100 años de historia, presentando sus roles a principios de siglo y cómo su condición da un vuelco evidente, tras un largo y fructífero proceso de cambio. De esta manera, se presenta al espectador una síntesis sobre la progresiva incorporación de las mujeres a las universidades y al mercado laboral, la primera vez que ejercen su derecho al voto, la mujer como símbolo de la belleza mundial. La película narra la evolución de la mujer durante 100 años de historia, presentando sus roles a principios de siglo y cómo su condición da un vuelco evidente, tras un largo y fructífero proceso de cambio. De esta manera, se presenta al espectador una síntesis sobre la progresiva incorporación de las mujeres a las universidades y al mercado laboral, la primera vez que ejercen su derecho al voto, la mujer como símbolo de la belleza mundial y la transformación de sus roles dentro de la familia.

Durante 48 minutos, el documental reúne voces protagonistas de las luchas femeninas, así como especialistas en las diferentes áreas del conocimiento. De igual forma, presenta una nutrida selección de imágenes que muestran los cambios de la mujer en apariencia y en comportamiento, evidenciando su creciente presencia en múltiples escenarios: en la cultura, el deporte, en las fábricas, oficinas, en la política.
Para la realización del documental, fue necesaria una extensa investigación bibliográfica y audiovisual que tomó más de un año, y el trabajo de un equipo de profesionales, conformado por Lucía Díaz (Dirección y Guión), Maryorie Dugaro (Guión), Kapui Riestra (Producción General), Emilio Pittier y Yhonnathan Muñoz (Post-producción), Daniel Espinoza (Música) y GuillermoTell (Locución).

El film fue presentado por la línea de farmacias Farmatodo y por Cinesa. El estreno público de la película fue el jueves 11 de Noviembre, a las 7:00 p.m. en el auditorio de El Nacional. El documental podrá ser adquirido en los puntos de venta ubicados enTecnicencia, Esperanto, El Buscón, Fundación La Previsora, Librería Lea,Librería del IESA, Tienda del Cine (CELARG), Xinemanía, Oficinas de Cine Archivo B.F y Librería La Ballena Blanca.

Luisa del Valle Silva, Ensayo de María Cristina Solaeche

2010-11-13T18:19:00.000-08:00

Durante la primera generación literaria venezolana del siglo XX, las mujeres insurgieron en el dominio de la Literatura, hegemonía del hombre hasta esa época.  Las lecciones de Teresa de la Parra (1889-1936) y Enriqueta Arvelo Larriva (1886-1968), quienes con sus obras narrativa y poética respectivamente, encomiendan a la memoria el fin de ese universo vivencial, en que el devenir socio-histórico de Venezuela con su fuerte estructura androcéntrica había mantenido a la mujer arrinconada, olvidada y discriminada;  fueron seguidas por singulares poetisas venezolanas, entre ellas, Luisa del Valle Silva (1896-1962), en un tiempo en que nada impulsaba a una mujer venezolana a realizarse como escritora, salvo las inquietudes de su espíritu.

Nótese, cómo Don Mariano Picón Salas, reconoce  la existencia de una literatura femenina en Venezuela para esa época:

"Del estímulo y la pasión de Teresa nacerá en Venezuela toda una literatura femenina, un poco liberada ya de la sensiblería dulzona o el erotismo trivial, tan frecuentes en la prosa y los versos de las mujeres de América". 1

Rafael Arráiz Lucca, nos dice:

“Enriqueta Arvelo Larriva le da voz a la intimidad femenina de su tiempo, en sus órbitas afectivas y solitarias, y funda una tradición”2

Luisa del Valle Silva, nació en Barcelona, capital del Estado Anzoátegui, Venezuela,  el  8 de enero de 1896, en el seno de una familia de clase acomodada, su padre Don Pedro Vicente Silva Morandi y su madre Doña Luisa Fígallo Giordano. Cuando apenas tenía diez años, la familia se trasladó a Carúpano, segunda ciudad del  Estado Sucre, al norte, entre las penínsulas de Paria y Araya; allí transcurre el final de su niñez, su adolescencia y toda su juventud; jugando, estudiando, escribiendo versos y educando como maestra de la Escuela Federal “Alejandro Ibarra” de esa ciudad-puerto, donde enseñaba a leer a sus alumnos en libros de poemas, practicando las mismas enseñanzas que recibió de sus tías europeas, quienes se esmeraron en revelarle los románticos franceses y españoles. Será en esas tierras donde recibirá el título honorífico de “Hija adoptiva de Carúpano”.

“Y Carúpano, un brazo alargado como su calle, / con la fe cristalina de su Luisa del Valle”  declama el poeta cumanés Andrés Eloy Blanco.

“El eco, la presencia de aquel puerto y de aquel mar que la bautizó, no dejarán de resonar a lo largo de casi toda su poesía” 3  escribe el poeta Alfredo Silva Estrada.

En 1926, se traslada a Caracas, donde el 3 de septiembre de 1927, el poeta Rodolfo Moleiro, uno de los más conspicuos representantes de la llamada “Generación poética del 18”,  la presenta en el Teatro Municipal de Caracas, enalteciendo a la poetisa de “poemas tornasolados y caprichosos, como las conchas de madréporas” y, a la maestra que alista “innumerables huestes para la victoria silenciosa”. Cuán acertado estuvo el poeta Moleiro en sus dos expresiones, será una poetisa que trascenderá en las letras venezolanas, y será una activista gremial en febril diligencia por las reivindicaciones sociales y, los derechos laborales, civiles y políticos de la mujer. Algunos de los poemas que leyó ese día en el Teatro Municipal,  forman parte de su primer poemario “Ventanas de Ensueño” (1917 -1925), que publicará en Caracas, con la Editorial Elite, en 1930.

Luisa del Valle Silva, nace en los momentos del romanticismo tardío, última etapa de aquel llegado desde los puertos de España, aquel que contempló el “yo” como vía de acceso al Universo a través de las fuerzas de la inconciencia y la subconciencia, del sueño y el presentimiento, la magia y los enigmas del alma humana.

Atraviesa en su vida, encrucijadas de movimientos, propuestas, manifiestos, proclamas, grupos, revistas y testimonios literarios que surgen uno tras otro en Venezuela. Desde la formación romántica de su niñez y juventud, a través de  la versificación con propiedad, delicadeza y corrección del parnasianismo de raigambre europea;  las formas del modernismo americano signadas por el culto preciosista original y aristocrático la primera, y la prevalencia del sentido genuino de los pueblos de América  la segunda; el criollismo en una vuelta a lo propio frente al cosmopolitismo modernista; el efímero e ingenuo grupo Alborada en 1909, aspirando sustituir la noche por la aurora en los nuevos destinos gomecistas del país; los fundamentos éticos y estéticos de la llamada “Generación del 18” en tránsito hacia la vanguardia que se impone en 1928 con la publicación de la revista Válvula, reaccionando contra el sátrapa Juan Vicente Gómez y expresando las corrientes artísticas más importantes que surgieron en Europa en la primera década del siglo XX, apegados a los principios expresados por los futuristas, con tendencias iconoclastas y una finalidad global, la de “sugerir”.

Entre  la inclinación universalista e irreverente del colectivo literario Viernes en 1936, que un año después  de la muerte del dictador Gómez,  abre las puertas a la poesía venezolana de las obras de los románticos alemanes, los lakistas ingleses, los poetas contemporáneos españoles, los surrealistas y los creacionistas, da a conocer en el país, quienes eran Blake, Hölderlin, Novalis, Rilke, Rimbaud, Valery, Lautréamont, Wordsworth, Coleridge, Breton, Eliot, Reverdy,  torna familiares los nombres de Gerardo Diego, Vicente Aleixandre, Jorge Guillén, Pedro Salinas, Pablo Neruda y Vicente Huidobro, y se discute sobre los grupos Mandrágora y Caballo de fuego, de Chile, Piedra y Cielo, de Colombia, y Taller, de México.

Con el surgimiento de Contrapunto en 1946 y 1949, difundiendo una literatura fundamentada en la filosofía contemporánea; a través de un grupo de poetisas venezolanas, las “españolistas” que ocupan un lugar privilegiado en las décadas de 1940 y 1950; Cantaclaro en 1950, preconizando el arte como la traducción del hombre y su drama humano, con un único número recogido por los gendarmes del régimen castrense; los “niños terribles” del grupo Sardio en 1958, trasgrediendo concepciones estético literarias por considerarlas fraudes a los requerimientos de la época que se vivía; el grupo de estudio Presente cuyos integrantes en su mayoría pasarán a formar parte de Suma en una postura antiviernista que regresa al rescate de  las formas poéticas hispanas; y El Techo de la Ballena en 1961, proveniente de un desprendimiento del grupo Sardio, desafiando convencionalismos y herencias culturales, influido por el Dadaísmo y el Surrealismo.

Atravesando todos los grupos anteriores, en medio de todos esos movimientos, proclamas, revistas, etc., que se dan en la extensión de la vida de la poetisa, y en medio de esta vorágine literaria,  sin lazos grupales, alejada de los conglomerados y altares literarios, encontramos a Luisa del Valle Silva, con su voz solitaria, su estilo personal y su ritmo propio.

Con una poesía, cuyo verso se aleja sesgamente de las formas usuales que se preconizaban en el proceloso remolino de los diferentes caños de la  marisma literaria venezolana de esos tiempos. Suele explicarse su poética, enmarcada dentro de la “Generación del 18”, en la que algunos autores suelen  situarla razonando sobre cierta afinidad en su tratamiento literario del paisaje.

La poetisa, era consciente de la cultura patriarcal que imperaba en la literatura, de la hostilidad  del medio que la rodeaba como escritora y sabedora de como vivían las mujeres en Venezuela, quienes, salvo en escasísimas singularidades, escribieron en esos tiempos, siempre al margen de los movimientos literarios que se sucedían vertiginosamente unos a otros.

“No escriben circunstancialmente o como parte del cultivo de las <> o con fines didácticos. Podríamos decir que escriben porque quieren.” 4

Para esos años, urgía en el país  la necesidad de disponer de un centro para la cultura, el arte y la ciencia, sólo debía enfrentarse con decisión, y eso fue lo que hicieron un grupo de mujeres liderizadas por la compositora Maria Luisa Escobar y conformado por Luisa del Valle Silva, Eva Mondolfi, Cachi Decorado, Ana Cristina Medina y Emma Silveira, quienes decidieron trasformar sus tertulias vespertinas en un trabajo público abierto a la colectividad, el Ateneo de Caracas, cuya creación tuvo gran significación durante los años de la dictadura gomecista, y en cuyas actividades fue relevante el protagonismo desempeñado por la poetisa. El 8 de agosto de 1931, a las 6 de la tarde, con Pedro Ríos Reyna y su agrupación musical ofreciendo un concierto, se  inaugura el Ateneo de Caracas, y con palabras de Luisa del Valle Silva, nace esta primera iniciativa privada de crear un centro cultural que albergará las distintas actividades artísticas. Este grupo de mujeres, y entre ellas Luisa del Valle Silva, fundaron esta institución  y la dirigieron hasta 1950, cuando pasa a manos de Ana Julia Rojas. Esta iniciativa se multiplicó en todo el país y Luisa del Valle Silva integró la primera Directiva del Ateneo de Caracas, como Secretaria de Correspondencia; en el lapso 1932-33 fue su Secretaria de Actas; en 1933-34 es la Segunda Vicepresidenta; en 1934-35 Secretaria y, en 1939-40 conforma  la Comisión de Literatura.

Fue cofundadora en 1936, de la Asociación de Escritores Venezolanos, donde fungió de Secretaria durante largo tiempo; miembro de la Federación de Maestros y una de las mujeres inspiradoras que dirigió, al lado de Olga Luzardo, la Asociación Cultural Femenina en 1936, en la que sostuvo la columna Conversación  en la página Cultura de la mujer, promoviendo también, la creación de la Casa Obrera y las escuelas para obreras.

Juan Vicente Gómez muere en diciembre de 1935. A su muerte, un grupo de mujeres dirigió el 30 de diciembre de 1935, una carta al Presidente Eleazar López Contreras, en la que solicitaban protección para las madres y mejores condiciones de vida y trabajo para la mujer. La Asociación Venezolana de Mujeres junto a la Agrupación Cultural Femenina, convocó en 1937 el Primer Congreso de Mujeres que exigía  la igualdad de salarios, la reforma del Código Civil y el derecho al divorcio; Luisa del Valle Silva asiste a ese Congreso, cuando se realiza por primera vez en  1940. Fue también firmante del acta constitutiva de la Asociación Cultural Interamericana.

El fin del gomecismo con la muerte del dictador, marca nuevos escenarios para la mujer. Las escritoras que aparecen en este período son las primeras en iniciar la lucha por conseguir un espacio público, tanto en lo referente a los derechos de la mujer, como en el campo literario. Luisa del Valle Silva al lado de otras mujeres vinculadas al medio intelectual, despertará la conciencia del aislamiento que vive y  padece la mujer escritora, e intentará producir estrategias de “supervivencia literaria”.

Mercedes Fermín, en 1936, como signo de los nuevos tiempos afirma:

“Desde la colonia hasta hoy, se nos ha llevado forzosamente al rincón del hogar, se nos ha engrillado con la melosidad del elogio estrafalario, se nos ha privado de la función laboriosa, que constituye la acción social. Así, pasando de mano en mano el cáustico grillete y de conciencia en conciencia, el arrugado concepto de que sólo nacimos para criar niños y amerimelizar la vida, se nos ha olvidado. Y la mujer ha llegado a constituirse en un ente pálido, desvalido y sordo sobre el cual caen los códigos, legislaciones y prejuicios”5

El 5 de agosto de 1936, encontramos a Luisa del Valle Silva entre el grupo de mujeres que se dirigieron a Rómulo Gallegos en nombre de la mujer venezolana “que sabe hacer suyos los dolores de la tiranía multiplicando en su corazón el dolor del hermano preso, el hijo preso, del padre preso, en nombre de la mujer venezolana del pueblo, de la obrera de manos callosas, de la campesina que no sabe leer”, testimoniándole  admiración y respeto al ilustre escritor y educador venezolano con motivo de su renuncia al Ministerio de Educación del país.

Durante los veintisiete años que duró la dictadura de Juan Vicente Gómez (1908—1935), un sector de mujeres combatieron en la clandestinidad y otro sirvió de apoyo:

“Si algún refugio tuvo la mujer en aquella época oscura —nos dice el escritor guayanés Jesús Sanoja Hernández— fue la literatura, la que casi siempre ejercía bajo pudorosos seudónimos. Pocas guerreaban a campo abierto”6

El 8 de marzo de 1944, en un gran mitin en el Teatro Nacional con motivo del Día Internacional de la Mujer, Luisa del Valle Silva, recordando a la escritora española  Faustina Sáez de Melgar, toma la primera frase de la alocución que ésta pronunció en 1871, “La mujer, mitad de la humanidad” y así, con esa expresión tan categórica, titula su discurso.

“¿Sabremos leer hoy, desde nuestro tiempo incrédulo, la densidad de ese largo proceso de emancipación (…)?” 7

En 1941, once años después de la publicación de su primer poemario “Ventanas de Ensueño”,  el poeta malagueño Manuel Altoaguirre, de la “generación española del 27”,  le edita  en su imprenta La Verónica, en la ciudad de la Habana, Cuba, tres poemarios “Humo” (1926 -1929); “Amor” (1929 – 1930) y “Luz” (1930-1940). Y, después de publicar cuatro poemarios, la poetisa parece ceder, acosada quien sabe  por que angustias en su interior, sumiéndose en un total silencio; mas se trataba, de un silencio gestador en su interior de miles de voces y gritos que volcará en su próximo poemario “En Silencio”,  publicado en 1961 por la revista de gran significación en el mundo intelectual y de gran difusión en el mundo de las letras, Lírica Hispánica, fundada por la poetisa Jean Aristigueta.

Entre 1965 y 1966 escribe “Sin tiempo y sin espacio”,  poemario que nos ocupa en este ensayo,  es el último que escribió, y fue publicado póstumamente en 1963. Su temple poético es el de la efusión lírica, el de la expresión llanamente subjetivizada, personalmente justificada y directamente volcada en el papel. El “yo” se desdobla entre la infancia vivida y la evocada; es una apelación a la memoria del recuerdo de esos años,  y  la aceptación de su desafío frente al tiempo del olvido con la fuerza del sentimiento personalizado de la voz, serenamente concentrada y reposada en sus movimientos en la lozana recreación del espacio de aquellos años:

“Nos quedamos a solas con la infancia” 8
“una niñez en éxtasis podía
leer el vuelo de las mariposas;
la sombra del parral sobre los lirios
y grabar para siempre las canciones
de los cañaverales en la brisa” 8

Todo fluye en claros, sencillos y sensitivos vocablos, sosegados, con duración y  ritmo propicios a las visiones y sentimientos de la poetisa, cultivando una lírica vigorosa y discreta, con fuerte tendencia a la exaltación de la naturaleza que la rodeó, a las rememoraciones de los lugares, la casa, el mar, el río, …

“Los románticos me invadían sin darme cuenta. Mi generación fue romántica. No hay cuestión”afirma la poetisa.

“Poesía romántica en su esencia, y en el más noble sentido de la palabra” afirmó el poeta de la “Generación del 18” y crítico de la poesía venezolana Fernando Paz Castillo.

“Asimismo, frente a estas circunstancias, una suave nota infantil, sin sentido elegíaco, más bien aprovechando el misterio de su honda significación, aflora en los líricos más representativos del grupo de poetas de transición.” 9

Desde los primeros versos, hasta los últimos de este poemario, vislumbramos su naturaleza apacible y añorante de recuerdos, en tiempos de dictaduras, de ruidos y silencios ensordecedores que agobian la vida política que atraviesa Venezuela, Luisa del Valle Silva escribe, refrescando la ternura de la voz infantil, eligiendo la serenidad de la emoción, manejando delicadamente la construcción estética del entorno, hilando evocaciones, y todo llega al mismo lugar: “su niñez”.

La niñez es una Arcadia, un país imaginario, un reino mágico que tiene su historia, una historia que atraviesa los meridianos de los sueños y los paralelos de las ilusiones revestidos de la ingenuidad de una cronología sin tiempo, mientras los mitos de la infancia, los más poderosos, permanecen, surgiendo en las ocasiones necesarias con sus valores y los ejemplos recogidos en los espacios de la candidez; para los niños “la edad aquella en que vivir es soñar” como la describe el filósofo y escritor español Miguel de Unamuno:

“El tiempo se salía de sí mismo
desintegrado en espiral de tiempos.
Cada minuto era una vida,
otros soles regían nuestro cielo.”

Toda la sensibilidad de su lírica de simientes y raíces románticas atiende de modo especial a la recreación de ese tiempo y ese espacio de la infancia, constantes poéticas en este poemario “Sin Tiempo y sin Espacio”,  revelando una identidad simbiótica entre ella y el paisaje, con un lenguaje limpio, evocativo y de cuño clásico. Cuando su palabra toca el paisaje, éste se torna en el paraíso recobrado de su infancia. Cada momento vivido en esos años, lo convierte en versos de la más fina cuerda estética:

“¿Esas voces aún flotan en el aire,
o vienen a nosotros desde adentro?
Es el fugaz misterio del instante
entre ilusión y realidad suspenso.
Pero en el corazón inicia un salto
el latido feliz de los regresos” 8

El paraíso de su infancia, en el que el tiempo no existió, queda claramente situado en un espacio que ya no es, en una casa situada en la hacienda de caña en las afueras de Carúpano, un lugar llamado El Mangle, apurando verso tras verso, en un anhelo de evocar desde la nostalgia el goce de aquella casa:

“Aquella casa de los dulces días
arraiga y se levanta sobre el polvo
de sus cimientos desaparecidos.
bajo su alero tutelar retornan
pasos, ecos de voces ya dormidas;
se llena el aire de sus corredores
con las enredaderas de las risas” 8

Escritos con ese verso de extensión intermedia, el endecasílabo, ni tan cantado como los octosílabos y heptasílabos del romance español, ni tan aletargado como el alejandrino. Con sus once sílabas como la extensión justa al oído latino para sacar a luz, en un movimiento único, el ritmo de cadencia serena y el calado en la palabra. Sin el galope del verso corto ni  la pausa del verso largo. Un endecasílabo equilibrado, fluido, de dentro hacia fuera, donde el sudor constructivo de la poesía queda mágicamente oculto tras la pendiente torneada del idioma, desde la intuición interior del espíritu hasta la undécima sílaba, sin el apremio de la construcción abstracta. Endecasílabos que acuñan una nostalgia cuya serenidad contrasta con el anhelo amoroso del recuerdo:

“A solas nos quedamos frente al tiempo
de la niñez, frente a la azul comarca
desprendida, borrada de la tierra,
cuyos contornos mágicos renacen
con perpetuo frescor en ese adentro
de nosotros, sin tiempo y sin espacio,
donde todo aparece resurgiendo
de un mar que nos devuelve sus naufragios” 8

Rizomática y arbórea, una poesía conmovedora que desde sus propios arcanos dice mucho y calla más, invoca, se expande y  abrevia;  crece animada por su propios motivos emocionales, por sus afanes internos que discurren capaces de aligerar el lenguaje y cifrarlo como convencimiento revelado. Sus poemas son alforzas del alma en el cuerpo simbólico del lenguaje, dejando ver  el intimismo de su poesía, que no es aislamiento ni evasión, al contrario, es un tramo de vida remontado el hilo dorado de la memoria, y sus huellas se deslizan mientras culmina. Las palabras despejan claros en el bosque de aquellos años infantiles.  El poema es, la breve y fugaz ceremonia de una conmoción irrepetible:

“Entre las piedras de moler, la infancia
echó los granos de su fantasía.
Ahora sobre piedras de añoranza
va el recuerdo moliendo aquellos días” 8

Esta poesía no está hecha para gratificarnos, tampoco para aleccionarnos; lo suyo es una certeza única que acontece en el espacio y el tiempo de la infancia que existieron, con gestos de zozobra y con la fuerza encantada de esas primeras vivencias:

“Y así fue, ramazón y esbelto tallo,
a nuestro lado el flamboyán creciendo,
hasta mirar su florecer en llamas
arder encima de nuestras cabezas.
Florecido quedó frente a la casa
en la mañana inicio de la ausencia” 8

La íntima vocación de sus versos es toda una ofrenda al recuerdo. El ser que mora en sus poemas, es el que escucha vigilante las voces de las evocaciones y sus encantos, pero, la que escucha esas voces es en esencia, la niña y la adolescente que juega con ellas, así es, como la contemplación del mundo real y el imaginado irradia desde la mirada de la infancia en la poetisa:

“Perderse en el cañaveral de tarde
cuando están entreabriendo los jazmines.
Entre ese mar de cepas enlazadas
hundirse, caminando sin caminos.
Crecen allí escondidos los salvajes
jazmineros de tarde florecidos,
sus colores saliéndonos al paso
blancos, rojos, morados, amarillos.” 8

La vida de Luisa del Valle Silva fue arquetípica en varios sentidos. En un país dominado por el hombre hasta sus más profundas venas espirituales, en una sociedad que condicionaba a la mujer a la rutina, atrapada en un mundo diseñado para la mujer por el hombre, se hizo reconocer y respetar por su intelecto y su esfuerzo personal, sin arredrarse ante las causas justas y revolucionarias en las que se comprometía sin temor, y hasta el final siguió creyendo en una justicia de igualdad de género y en su propio valor como mujer y poetisa.

“un tímido revuelo de sonrisa
por entre los recuerdos aleteando
y una venda de sol sobre la herida,
así fortalecidos regresamos
del remoto país donde subsiste
nuestra niñez sin tiempo y sin espacio” 8

Hasta aquí, la lectura de un poemario henchido de evocaciones de la infancia de la autora, signado por el retorno de esos recuerdos, rememorando un espacio y un tiempo, la poetisa es quien se escucha a sí misma y es a la vez el personaje en los poemas de “Sin tiempo y sin espacio”, poemario de hondas resonancias líricas del recuerdo de la infancia.

Luisa del Valle Silva, fallece repentinamente, la madrugada del 26 de julio de 1962, en la ciudad capital, Caracas.

Acojamos las palabras de Enriqueta Arvelo Larriva: “Pido que ella, tan tierna y enraizada, no sea maltratada (ay, como tantos de nuestros poetas) con un pronto y férreo olvido.”3

Obra Poética de Luisa del Valle Silva:

Ventanas de ensueño. Editorial Elite. 1930.
Humo: poemas, 1926-1929; Imp. La Verónica. La Habana. Cuba. 1941.
Amor: poemas, 1929-1940. Imp. La Verónica. La Habana. Cuba. 1941.
Luz: poemas, 1930-1940. Imp. La Verónica. La Habana. Cuba. 1941.
En Silencio. Lírica Hispánica. Caracas. 1961.
Poesía. Serie: Cuadernos literarios de la Asociación de Escritores Venezolanos. Editorial Arte. Caracas. 1962.
Sin tiempo y sin espacio. Arte. Caracas. 1963.
Amanecer. Publicaciones del Instituto Nacional de Cultura y Bellas Artes. INCIBA. Colección Puente Dorado. Caracas. 1968.

Antología poética. Publicación en Cuadernos literarios de la Asociación de Escritores Venezolanos. Caracas. 1980.

Referencias  Bibliográficas

1.       Compilación de Otto D’Sola. Prólogo de Mariano Picón Salas. Antología de la moderna poesía venezolana. Caracas.1984.

2.       Rafael Arráiz Lucca. El coro de las voces solitarias: Una historia de la poesía venezolana. Fondo Editorial Sentido. Caracas. 2002.

3.       Luisa del Valle Silva Antología poética.. Monte Ávila Editores Latinoamericana. Caracas. 2004.

4.       Yolanda Pantin, Ana Teresa Torres El hilo de la voz: antología crítica de escritoras venezolanas del siglo XX. Fundación Polar. Angria Ediciones. Caracas. 2003.

5.       Semanario “El Popular”, Caracas, 25 de mayo de 1936.

6.       Jesús Sanoja Hernández. Las Mujeres bajo el gomecismo, Del Silencio al estallido, Diario “El Nacional”, Caracas, 8 de marzo de 1978.

7.       Márgara Russotto La perspectiva del género en la escritura de la modernización venezolana. Folios, revista de Monte Ávila, Nº 31-32. febrero-abril. Caracas.1998.

8.       Luisa del Valle Silva. Sin tiempo y sin espacio. Caracas: Arte. 1963.

9.       Pedro Díaz Seijas. Historia y Antología de la Literatura Venezolana. Capítulo. Poetas en transición. Editorial Armitano. 1981.

María Cristina Solaeche, escritora venezolana. Miembro del Círculo de Escritores de Venezuela

María Luisa Escobar, compositora y mujer de vanguardia

2010-10-27T06:55:00.000-07:00

Por Carmen Cristina Wolf

El Ateneo de Caracas fue fundado en 1931 por iniciativa de la pianista y compositora valenciana María Luisa Escobar, quien también creó la Asociación Venezolana de Autores y Compositores y luchó incansablemente por el reconocimiento a los Derechos de Autor. María Luisa González Gragirena, quien adoptó el apellido Escobar después de su segundo matrimonio con el violinista José Antonio Escobar Saluzzo, reunió en su casa a un grupo de mujeres con la intención de constituir una Junta que habría de fundar un Centro dedicado a la Cultura, el Arte y la Ciencia. El nombre de Ateneo de Caracas fue propuesto por Eva Mondolfi. La primera directiva la integraron Luisa del Valle Silva, Cachi de Corao, Enma Silveira y Ana Cristina Medina Jiménez. Los padrinos del acto de fundación fueron el maestro Pedro Antonio Ríos Reina y Eva Mondolfi.
La historia del movimiento cultural venezolano giraba en torno al Ateneo de Caracas. Congregó a pintores, escultores, novelistas, poetas, historiadores, músicos, el mundo del teatro y el ballet. Impulsó la cultura con proyección internacional. Desde sus inicios, el Ateneo fue un lugar de convergencia de destacados hombres y mujeres y era frecuentado por los escritores, en especial el Grupo Viernes, combatido, incomprendido en sus novísimas creaciones poéticas. Con los viernistas, escribe Lucila Palacios en su libro Espejo Rodante, se reunían los integrantes del Ateneo en la casa de habitación de María Luisa Escobar, para dar lectura a sus obras. Algunos de ellos, Pedro Grases, Pablo Rojas Guardia, Pascual Venegas Filardo, Manuel Felipe Rugeles, Aquiles Certad, Luis Fernando Álvarez y Ramón Díaz Sánchez
De las nuevas generaciones también frecuentaron el Ateneo Aquiles Nazca, Rafael Clemente Arráiz, Juan Beroes, Ida Gramcko, Ramón González Paredes, Lucila Palacios, Luz Machado, Alirio Ugarte Pelayo, Ana Enriqueta Terán, Jean Aristiguieta, Pedro Antonio Vásquez, René D´Sola, Manuel Alfredo Rugeles y otros.
La historia, aunque algunos deseen sepultarla en el olvido, tiene la terquedad de los grandes ríos. Ellos siempre vuelven a su cauce natural aunque la voluntad humana trate de desviarlos. Este recuerdo documentado con notas de prensa, escritos de puño y letra y fotografías, viene a cuento a raíz de la intervención, por parte del Ministerio de la Cultura, en la administración de los Ateneos de Venezuela.
A propósito de estas declaraciones Carmen Ramia, Presidenta del Ateneo de Caracas, señala: “…El Ateneo de Caracas es una institución privada como lo son todos los ateneos del país y tenemos capacidad de decisión. La intervención es una aberración … La ley indica que somos un ente privado y no nos pueden intervenir, pero como aquí no se respeta la ley, todo es posible. A nosotros pueden quitarnos el edificio y el subsidio –que es sólo del 18 % del presupuesto-, esto lo que significaría es que entregamos el edificio y nos vamos a otra sede y seguimos trabajando como hasta ahora porque el Ateneo no es un edificio” … Por otra parte, Javier Martínez, al frente de la Federación de Ateneos de Ateneos, considera ilegal esta intervención, por ser estos instituciones de carácter privado, que sólo reciben una fracción de recursos del Estado para su financiamiento. Para Martínez, “el que los ateneos sean reductos privados para la cultura es positivo, puesto que los aleja de la politización” (El Nacional 8/08/07).
Desde su fundación hasta ahora, el Ateneo de Caracas es y ha sido un tributo a la excelencia, al amor por el país, donde han tenido cabida todas las tendencias políticas y las manifestaciones de la cultura venezolana, sus tradiciones, sus valores. Las señoras María Teresa Castillo, Carmen Ramia y sus colaboradores han realizado una valiosa labor que ha permitido a niños, jóvenes y adultos recrearse con los conciertos, el teatro, el cine, las exposiciones de artes plásticas, presentaciones de libros, foros, conferencias, recitales, en fin, no podría en una nota dar cuenta de lo que nos ha ofrecido siempre el Ateneo de Caracas, con unos precios casi irrisorios que han permitido a los ciudadanos de pocos recursos económicos conocer y disfrutar las manifestaciones culturales mas diversas.
Y regresando a los primeros años de funcionamiento del Ateneo de Caracas, de cuya iniciativa surgió la creación de Ateneos en todo el país, me entrego a la lectura de los diarios de la época, y leo que a partir de 1932 se dictan conferencias sobre la historia, se celebran festivales de poesía y música, con la participación de escritores venezolanos y extranjeros, entre ellos Andrés Eloy Blanco, Fernando Paz Castillo, Luisa del Valle Silva, Jacinto Bombona Pachano, Alberto Arvelo Torrealba y otros. El Ateneo creó la Exposición Anual de Artes Plásticas, a la que concurrió todo el país. Se expuso la obra de Armando Reverón, Federico Brandt y Francisco Narváez, entre otros. Mi biblioteca abunda en datos sobre la espléndida labor del Ateneo en sus primeros años de existencia, pero debo concluir con una reflexión: El Ateneo de Caracas siempre fue una institución de carácter privado, abierto a todos sin distinciones y sirvió de reducto a las luchas contra la dictadura. El 14 de febrero de 1936 se instala en su sede la Junta Patriótica Femenina y el día siguiente se instala en su sede la Guardia Cívica Venezolana. En el Ateneo se celebraron las Conferencias Venezolanistas. El país vivía momentos agitados a raíz de la muerte de Juan Vicente Gómez y en la clandestinidad se trabajaba por la libertad. Al finalizar la etapa gomecista se celebraron numerosos eventos literarios, uno de ellos en homenaje a Rómulo Gallegos a su regreso del exilio, con el concurso de escritores de la talla de Antonio Arráiz, Lucila Palacios y Julián Padrón.
Vivimos días de destrucción sistemática de la memoria histórica de Venezuela por parte de un régimen que se ha propuesto borrar todo lo que pertenezca al pasado, aunque sean las mejores manifestaciones de un pueblo inteligente, laborioso y creativo como el nuestro. Es importante tener presente lo que han significado y significan los Ateneos en Venezuela. No olvidemos tampoco a María Luisa Escobar y a todos aquellos hombres y mujeres que trabajaron con dedicación y honradez. Es necesario recordar sus luchas y su compromiso con el movimiento artístico, literario y musical del país.
La ciudadanía venezolana tiene mucho que decir con respecto al apoyo que merece el Ateneo de Caracas y los ateneos de todo el país. No los dejemos solos. Son y siempre serán de todos los venezolanos.
Igual podemos decir de SACVEN, la Sociedad Venezolana de Autores y Compositores, cuya semilla fue sembrada por María Luisa Escobar y un grupo de artistas venezolanos. Los primeros derechos de autor fueron pagados por la propia María Luisa, que luchó incansablemente porque se reconocieran los derechos de los artistas, músicos, compositores y escritores en Venezuela.

Círculo de Escritores de Venezuela en twitter

2010-10-10T07:34:00.000-07:00

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Tres Poemas de Ligia Colmenares

2010-10-10T07:16:00.000-07:00

Liminar

Blanco sobre blanco
mórbida textura que incita
la palabra

Invisibles trazos
la línea vertical
el rojo equilibrio
sostenido en el tiempo

Blanco sobre blanco

La vida

******

Boceto a Stravinsky

Viva llama en los arcanos
blanco boceto
flotando en el espacio

Pájaro de fuego
menguante luna

En la gravitante noche
se deshila el azul

Alada mujer
en tu mano
la rosa carmesí
ilumina

*******

Ala en el vino
El ala es el pájaro de la imaginación

Vuelo de pájaro

Ala
que embriaga
la gota de vino

En los labios
la bermeja lágrima

En el aire
suspendida gota

que cae
en el ala
que cae
gota
que cae

******

Poemas de Ligia Colmenares del libro El Ojo errante,
Editorial El Pez Soluble, Caracas 2009
La autora ha publicado La Mujer de la casa de adobe
y otros poemarios. Es Miembro del Consejo Consultivo
del Círculo de Escritores de Venezuela

Poemas de Hildegart Acosta, Antología El ojo errante

2010-10-10T07:09:00.000-07:00

TRÁNSITO

Mi tiempo
es el mismo espacio que habito
con los míos y los otros

Lo que mi existencia dura
y la memoria guarda

Miente el reloj que cuenta y recuenta horas

Sólo aquel que es mi pulso
marca los instantes
el río en que me voy haciendo y deshaciendo

y en ese tránsito la distancia es una sola

El barco navega guiado por el viento
no se vislumbra puerto alguno
no se puede ir contracorriente

todo ocurre en esa historia fluvial
hasta un más allá vacío
irreversible

entonces sabes
que entre la vida y la muerte

sólo el horizonte

& & &

NOCHE

En el bosque nocturno
los viejos árboles
preservan
el secreto
Ana María Del Re

La inquietud insomne

volátil

trepa en un árbol
entreteje su fronda

Mira
con ojos vegetales
aquello que dejamos

o perdimos

Evoca
tardes flotantes
desvanecidas calles

un adiós
que nunca fue

la palabra
que extraviada
busca.

Lágrima
que inerme brota

en devastada noche.

& & &

NIEBLA

Cuántas veces presentí lo inminente
sin saberlo
el esplendor sobreviviente de la huella
tatuaje disonante sobre la arena
extendida húmeda
cuerpo ya sin límites

Cuántas veces
las ganas de quedarme mirando
dentro de sus ojos una aurora infinita

de atrapar para siempre
con mi boca rodante
la trascendencia de lo sentido

Cuántas veces presentí sin saberlo
el destino fugaz de las nubes
el último parpadeo de la llama

grano de sol extinguiéndose

Poemas de la escritora venezolana Hildegart Acosta,
del libro El Ojo Errante,
Taller Editorial El Pez Soluble 2009

Júbilo en el mundo literario hispanoamericano por Nobel a Vargas Llosa

2010-10-10T06:58:00.000-07:00

Júbilo en el mundo democrático Iberoamericano por Nobel de Literatura concedido a Vargas Llosa
Por Carmen Cristina Wolf
El mundo literario venezolano y, en particular, el Círculo de Escritores de Venezuela, celebra el máximo galardón otorgado al reconocido novelista y ensayista Mario Vargas Llosa, por tratarse de un escritor suramericano admirado y leído profusamente en Venezuela y en todo el planeta. No solamente se le reconoce por sus novelas, sino por una extensa y polémica obra ensayística. En Venezuela, ha mantenido durante años una columna en el diario El Nacional. Este domingo 10 de octubre será nuevamente transmitida por Venevisión, la entrevista que le hiciera el escritor venezolano Leonardo Padrón a Vargas Llosa. Una indagación aguda y respuestas inteligentes por parte del laureado autor.

El Corresponsal de ABC Ramiro Villapadierna, escribió desde Francfort:
«Era la hora cambiada, vos sabés» y Mario Vargas Llosa salió prácticamente de la cama para ser el nuevo Nobel de Literatura. El escritor peruano ha ganado el Premio Nobel 2010 «por su cartografía de las estructuras del poder y sus mordaces imágenes sobre la resistencia, la revuelta y la derrota individual», según informó el Comité Nobel. ABC ha sido de las primeras llamadas que ha recibido Mario Vargas Llosa en la ciudad de Nueva York, donde se encuentra en dictando unas clases. Es un Premio para Iberoamérica, «para todas las letras hispanas».

El corresponsal de ABC señaló que Vargas Llosa es “creador de una narrativa propia que exportó una original visión peruana de las cosas, las relaciones y, finalmente, del mundo, con un progresivo descubrimiento del humor y la sensualidad como explicación de la vida, es uno de los mayores éxitos heredados del llamado «boom» latinoamericano”
Vargas Llosa es conocido del gran público por La tía Julia y el escribidor, La guerra del fin del mundo, La casa verde, Pantaleón y las visitadoras, Conversación en la Catedral y más recientemente por La Fiesta del Chivo, El paraíso en la otra esquina y Travesuras de la niña malaSu próxima novela, El sueño del celta, se publicará el próximo mes de noviembre. Es enorme el revuelo que causará en el mundo entero, la concesión del Premio Nobel a un autor tan polémico como Vargas Llosa.

Biografía
Mario Vargas Llosa nació en Arequipa, Perú, en 1936. Aunque había estrenado un drama y publicado un libro de relatos, Los jefes, que obtuvo el Premio Leopoldo Alas, su carrera literaria cobró notoriedad con la publicación de La ciudad y los perros, Premio Biblioteca Breve de 1962 y Premio de la Crítica en 1963.
En 1965 publicó una segunda novela, La casa verde, que obtuvo el Premio de la Crítica y el Premio Internacional Rómulo Gallegos. Ha publicado piezas teatrales (La señorita de Tacna, Kathie y el hipopótamo, La Chunga, El loco de los balcones y Ojos bonitos, cuadros feos), estudios y ensayos como La orgía perpetua, La verdad de las mentiras y La tentación de lo imposible. Ha escrito memorias, (El pez en el agua), relatos (Los cachorros). Sus novelas más conocidas son: Conversación en La Catedral, Pantaleón y las visitadoras, La tía Julia y el escribidor, La guerra del fin del mundo, Historia de Mayta, ¿Quién mató a Palomino Molero?, El hablador, Elogio de la madrastra, Lituma en los Andes, Los cuadernos de don Rigoberto, La Fiesta del Chivo, El Paraíso en la otra esquina y Travesuras de la niña mala.
Vargas Llosa ha obtenido los más importantes galardones literarios, como el Premio Cervantes, el Príncipe de Asturias, el PEN/Nabokov y el Grinzane Cavour.

FRANK ZICCARELLI, POEMA AMIGOS ONG

2010-09-19T06:47:00.000-07:00

Amigos ONG

Desdigo del trancaletras

Quiero
un río Guaire transformado
en libro urbano
el más expresivo
de todos los tiempos imaginados
sin gazapo destartalado
proyectado a los conejos

Quiero
descontados zamuros
& culebrones
sin globos aliñados
que el poeta bajo la cópula
- si lo hubiere -
visite el río de tarde en tarde

hasta hacerse protagonista
re mirado y re mirado
por el sol de los venados

Firma: José La Rosa o Saikazí

Frank Ziccarelli, poeta y escultor, autor de Raíces cruzadas, Garabatos, SKIRLAS y otros. Venezolano. Escribe bajo cuatro heterónimos. Miembro del Círculo de Escritores de Venezuela, Coordinador de Proyectos Especiales

EL POEMA, CONFESIÓN DE FE EN EL LENGUAJE

2010-09-01T09:26:00.000-07:00

Por Carmen Cristina Wolf

Caracas, agosto 2010

El poema es un universo que comienza y termina en sí mismo. Un avezado lector está atento a cada una de las palabras, a su lugar en la frase y a los silencios del poema, formados por los blancos entre un verso y otro. Jean Cohen, en El lenguaje de la poesía, escribe: “El poeta tiene como único fin construir un mundo desespacializado y desestemporalizado, en el que todo se da como una totalidad consumada: la cosa, sin exterior (…) sin antes ni después”.

Aproximación al Poema
Todo cuanto pensamos y sentimos, lo imaginario y lo real, puede ser transformado en poema. Una vez escrito, el poema es propiedad de quien lo haga suyo, no de quien lo escribió. Berkeley decía que el sabor de la manzana no está en la manzana, sino en el encuentro de la manzana con el paladar, así el ser del poema se sustenta en el encuentro entre el poema y quien lo lee o lo escucha. El poema existe a medias cuando no es leído. Y cuando el poeta dice que a él no le importa si lo leen o no, me permito dudar de su sinceridad, porque no hay nada más gratificante que encontrar a alguien conmovido con un verso escrito por nosotros.
Sin pretender imposibles definiciones, recuerdo a Octavio Paz cuando dice que el poema es una obra única, irrepetible, insustituible, es una unidad autosuficiente, sin valor de cambio ni utilidad tangible. No es fácil poner a las palabras a decir lo que el poeta quiere que digan. Él libera las palabras de los lugares comunes, las desgrana como las cuentas de un collar y vuelve a reunirlas en su condición de amigas, gracias a las frases: sonido-silencio, sonido-silencio y así. La catedrática española Rosa Navarro Durán, nos recuerda que el poema está hecho en parte de “no palabra –el blanco y su papel en la configuración del poema.” Un poema es un mundo aparentemente cercado por el blanco de la página, pero esa valla se abre a la infinitud de interpretaciones y emociones que éste crea. Una atmósfera que puede suscitar ideas, sensaciones, sentimientos o evocaciones. Sentiremos asombro, admiración, ternura, rabia, espanto, alegría, dolor, nostalgia, desolación. Pero cuando somos “tocados” por un poema, jamás nos dejará indiferentes.

Lenguaje poético
El español Jorge Guillén, refiriéndose a las palabras “poéticas”, escribe lo siguiente: “La poesía no requiere ningún especial lenguaje poético. Ninguna palabra está de antemano excluida (…) la palabra rosa, no es más poética que la palabra política.” El vocablo “tiempo”, no es más poético que usar la palabra “anticipado”. Todo depende de la intencionalidad y del contexto. Leamos estos versos del poeta venezolano Dionisio Aymará (1928-1999): “Déjame con estos ojos que me saben / a tierra anticipada /con esta sien vecina de otro mundo / con estos pies errantes / y este cuerpo habituado / al castigo de mi alma / ahora déjame / estación de la lluvia / nocturna amiga que me hieres / con tu lenguaje demasiado próximo a la ceniza / quiero estar con el pecho desnudo / con la cabeza terriblemente lúcida / debajo de tus sábanas transparentes” (Antología Poética del Círculo de Escritores de Venezuela 2005).
Las palabras que duermen en el diccionario, cobran vida y transforman su sentido cuando son empleadas y relacionadas con maestría. Nos situarán en una instancia que puede ser confesional, íntimista, onírica, mística o filosófica, situándonos en una habitación, una playa solitaria, en el bullicio de la ciudad, en una casa fantasmagórica o llena de vida. Y, en definitiva, la sensibilidad del lector acostumbrado a leer poesía, lo llevará a descifrar, más allá de los escenarios y de las cosas, aquello que el escritor albergaba dentro de sí al momento de escribir el poema. Al leer, surge una comunicación del lector, en primer lugar, con el texto. Si el poema atrapa su atención, en las lecturas posteriores se entabla una complicidad con el poeta. Y hacemos nuestras ciertas visiones y maneras de nombrar las cosas.

El poema es una confesión de fe en el lenguaje. El escritor puede o no creer en Dios, puede amar la vida o aborrecerla, creer que el ser humano es bueno, o malo, o ambas cosas, no creer absolutamente en nada. Aun así, el poema es una confesión de fe.

Leamos este poema del peruano-español Alfredo Pérez Alencart, que merece varias lecturas, aun para el no creyente, por la carga ética y mística que no obedece a una intención premeditada, sino que surge de un sentimiento apasionado y profundo:
“Señoréate en mí, Hijo cuyas señales me cristianizan;
y condéname a cadena perpetua si veo y enmudezco,
si oigo fogosas soberbias y el interés me compra,
me vende, me prostituye sin desmayo, cautivo del lujo
procesionante, embotado hasta hacerme el dormido
que religiosamente cumplió con su cuota de aleluyas. (…)”
(Cristo del alma, Editorial Verbum 2009)

El auténtico poema no es una cuestión de inspiración. Una persona puede estallar de emoción, con cien ideas en la cabeza, y no lograr escribir un poema que trascienda el paso del tiempo. Se aprende a escribir, y es el fruto de una larga paciencia y de un intenso trabajo. Dice García Lorca: “Si es que soy poeta por la gracia de Dios, o del demonio, también lo es que lo soy gracias a la técnica y al esfuerzo, y a saber de una manera absoluta, lo que es un poema.” Mi abuela hacía dulce de lechosa en diciembre. Al comenzar, sólo se veían trozos de fruta por aquí, mondaduras por allá, papelón rallado más acá, todo desunido y sin gracia. Ella sabía bien la receta. A las pocas horas, aparecían los cuencos rebosantes de un manjar casi transparente y ambarino, una maravilla de sabor. Así son los poetas que nos marcan para siempre. Unas cuantas palabras normales y corrientes, ¡y se hace el milagro!

Leer poesía
Leer poesía es como probar vinos de tierras y años distintos. Un cabernet sauvignon, el carménère, el merlot, el chardonnay, etc., serán igualmente apreciados si son buenos caldos. Leer a los poetas del Siglo de Oro, a los románticos o a los contemporáneos ofrece un deleite especial. Igual sentiremos fascinación al leer los poemas de Propercio y de Quevedo, Baudelaire, Rimbaud o Rilke, los versos de Vallejo o de Huidobro, Cadenas, Montejo, Jorge Luis Borges o Pessoa. Por eso, es de apreciar a los Editores de libros y revistas, que dedican tiempo y esfuerzo a publicar poesía, como es el caso del Papel Literario de El Nacional, PublicArte, El Librero, El Salmón, Poda y otras que ahora se me escapan.

Hasta aquí llega este breve acercamiento al tema, con unos versos de Rainer María Rilke que dedico a los escritores que habitan cercanos a mi espíritu:
“No te empeñes en comprender la vida
y será para ti como una fiesta.
Acepta, pues, los días
como del viento, el niño en su camino,
recibe flores.
Si se empeñara en recogerlas. Esta
lluvia a su espíritu no llegaría.
Dulcemente las sueltas de su pelo
donde eran tiernamente prisioneras
y a través de sus años juveniles
tiende sus manos hacia nuevas flores “
(Traducción de Enrique Sordo, Bolsilibros Eduven)

Twitter: @literaturayvida

Poema urbano de Frank Zicarelli

2010-07-31T06:11:00.000-07:00

Vagón azul
de la tercera edad o
juventud prolongada

Soy prisionero
de este aullido sobre ruedas

X añadidura
una mano entrenada
me voló la billetera
destartalada
sin cabellos
sin banca que la respalde

Cambió de bolsillo
la moneda acuñada de bayonetas
fundidas
la cambió el sapo largo al obeso
con sus ojos brotados de pararrayo
aguantador

Este aullido
a tres pasos libres de alcantarila
no se diluye
en la tira de asfalto

Rueda el sapo largo
saca la lengua
X la escalera eléctrica

José La Rosa
Julio 2010

Frank Zicccarelli, poeta y escultor venezolano, autor de los libros Raíces cruzadas, Alfa, Garabatos y SKIRLAS. Escribe con cuatro heterónimos. Coordinador de Proyectos Especiales del Círculo de Escritores de Venezuela

Benito Raúl Losada: Poemas inéditos

2010-07-30T05:28:00.000-07:00

Benito Raúl Losada, poeta venezolano de la generación del 40. Miembro del Consejo Consultivo del Círculo de Escritores de Venezuela.

Con quince libros publicados, algunos de sus poemarios más conocidos son: Campanada hacia el Alba, Nacerán los Caminos, Más allá del Relámpago, Testimonios y Apolo XI, Lebab o los despojos, Por la redoma azul, El Rostro Sumergido, La Magia Desnuda, A Fondo Perdido, Dentro y Fuera del Hombre, Los Espejos Baldíos, Momentos y vestigios y Andén del Crepúsculo. Su obra ha sido estudiada por autores como Oscar Sambrano Urdaneta, Gerardo Diego, Lucila Velásquez, Lubio Cardozo, Arturo Croce, José Ramón Medina y Pedro Díaz Seijas. Es Premio Municipal de Poesía y su escritura aparece reseñada en importantes Antologías de habla hispana.

A TIEMPO
Por Benito Raúl Losada

1
El cambio es ley se dijo.
¿Dónde nos encontramos
cuando presiona la inconciencia?
Renovarse es triunfar,
La voluntad no es músculo dormido.

Despertar. El eclipse
es apenas la sombra transitoria
del resplandor del tiempo.

2
Deseamos que los vientos
de pantanosas ondas
interrumpan su ciclo.

La náusea copa espacios,
la brújula se pierde,
la indiferencia resquebraja,
el humo confunde los espejos.

3
¿Aspirar lo total?
¿Creer poder alcanzarlo
y controlarlo luego?

¿Qué freno detiene el vértigo
y quita a tiempo el arma
de la mano?

4
Sentir o presentir una corriente clara
es siempre buena nueva.
Habrá que aguzar el oído,
olfatear el rumbo del viento,
poner en el suelo el pie desnudo,
mirar serenamente
y abrir el pecho
al clamor humano que la engendra.

5
La exclusiva idea,
la dominante idea
al cerrar las ventanas y las puertas
exilia los colores,
la armonía de los astros,
la solidaria plenitud
de libertad y vida.

6
¿Cómo vibra tu campo de energía?
Si positivo
se necesita tu presencia.

Cuando pasan los aires terrosos
hay una lenta asfixia,
un pronóstico oscuro
extraña levadura retadora.

Acércate,
acrece la energía.

Caracas 2010
Poemas inéditos

2010-07-05T09:12:00.000-07:00

La última muerte de Simóneltriste
por Carmen Cristina WolfSeptiembre 2006

¡Paz, paz! No está muerto ni duerme.
Ya despertó del sueño de la vida.
Somos nosotros los que perdidos en visiones
turbulentas reñimos con fantasmas
una inútil batalla y en trance de locura
apuñalamos con la daga del espíritu
invulnerables nadas.
P. B. Shelley, Adonais,
fragmento del poema XXXIX
Desgarradora La última muerte de Simón el triste, novela de Eduardo Casanova publicada en Caracas por la editorial Actum 2005. Venezuela es un país donde desde hace décadas apenas existe crítica literaria, y duele la ausencia de un análisis profundo de esta novela, que en otros países sería objeto de amplios estudios, tanto por la singular interpretación histórica de su autor como por la atrayente escritura y la compleja yuxtaposición de los tiempos que sorprende al lector.

Casanova es un novelista venezolano con oficio de larga data. Entre sus obras más conocidas se encuentran Los Caballos de la cólera, La agonía del Macho Luna, Hacia la noche, Las alegres campanas de la muerte, la tetralogía Cuarteto en Sol, y El solo de saxofón. Recientemente publicó un ensayo dedicado a la vida y obra del Libertador. Por su obra narrativa le fue otorgado el Premio Guillermo Meneses en el año 2000.

Esta novela nos enfrenta a los últimos instantes en la vida del Libertador Simón Bolívar. Narra también pasajes de su niñez y adolescencia, el inmenso amor que profesó a su esposa María Teresa, su aprendizaje con el maestro Don Simón Rodríguez, viajes, amores y amoríos, batallas, derrotas, duelos, culpas, fantasmas de la memoria. Todo ello escrito con descarnada crudeza y vehemencia, no a la manera de los historiadores o de los fanáticos, sino a modo de puñal que desgarra las apariencias peripuestas del discurso oficial.

Conmueve el trasluz poético de algunos de sus párrafos, como el que sigue:

... noche noche llena de metáforas incestuosas y de falsas armonías que se convierten en trébol cuando florece la lluvia noche noche vacía de palabras blandas y perdones pronunciados como cualquier otro rito (...). Así es la palabra de Casanova en esta novela, vacía de blanduras y de monsergas salvadoras.

En su agonía, Bolívar siente la presencia de un hombre ¿idéntico a él, frágil? Y sin embargo inspira miedo. Como en un mal sueño, trata de hablar con él y no puede, permanece inmóvil y siente como si el aire fuera "agua salada de mortaja": (...) Simón, yo soy tu muerte, he estado contigo desde el mismo día en que naciste (...) estuve contigo cuando tus primeras muertes.

El diálogo con su yo revela la densidad del pensamiento filosófico de Eduardo Casanova, sus reflexiones sobre el ser y el existir, la nada reflexiva y el Todo, inabarcable y siempre enigmático. Simón el triste hace un recuento del fracaso de sus sueños: ¡cómo saldré de este opaco laberinto! Siento que me envuelven espirales de colores dibujados por las manos de la muerte mientras cantan una fúnebre tonada las almas de los que creyeron en mis ojos y me ha abandonado mi cuerpo me ha abandonado fracasé me equivoqué desde el primer momento mi vida ha sido un fracaso total (...). Esta confesión desgarradora traspasa las épocas y cae en saco roto su reclamo a las recientes generaciones de gobernantes, líderes y grupos de poder:

... se aprovecharán de mi nombre para saciar sus pequeñas ambiciones y seguir engañando a los miserables mi nombre mi gloria malditos sean mi nombre y mi gloria que sólo han servido para que otros medren (...)

Casanova narra fragmentos de los primeros años de Bolívar, parece como si fueran recuerdos del enfermo en duermevela mezclados con lo que pudo haber sido la realidad: Todo el mundo había sentido la presencia de la muerte, de la negra nube que se acercaba y se alejaba de los ojos tristes del general, Simón el triste, convertido en su propia sombra llena de arrugas y de lágrimas contenidas. El 24 de julio cumplió 47 años de vida, y nadie se acordó de la fecha. (...) La última compañera pisotea toda vanidad, todo combate ganado o perdido. La vida, hecha de fugacidades en perpetuo instante de la extrañeza, no lleva camino cierto. Camino somos cada uno de nosotros, que nos vamos haciendo en la medida de nuestros tropiezos, aciertos y caídas.

La novela de Eduardo Casanova atrae como fuente insondable y conmueve mi ser. No se puede permanecer indiferente a la narración, no se puede dejar de reflexionar acerca de nuestras acciones, omisiones, bondades y egoísmos. Y se siente la exquisita angustia ante la muerte:

Recuerde el alma dormida
avive el seso y despierte
contemplando
cómo se pasa la vida
cómo se viene la muerte
tan callando. (...)
Jorge Manrique, Coplas por la muerte de su padre

Así, Bolívar solo y postrado entre sus dolores y fantasmas, ¡cuánto añoraría la despedida de este mundo a pesar del temor a lo abismal. A cada ser humano que agoniza cuánto nos gustaría decirle los versos del Adonais de Shelley: ¡Paz, paz! No está muerto ni duerme. / Ya despertó del sueño de la vida. Quisiéramos desesperadamente no pensar en las palabras que pronuncia Hamlet en la escena IV:

... Quién podrá tolerar tanta opresión, sudando, gimiendo bajo el peso de una vida incómoda, si no fuese por el temor de que exista alguna cosa más allá de la muerte, aquél país desconocido de cuyos límites ningún caminante torna (...)

Somos la nada que interroga y luchamos cada día, cada hora, cada segundo por olvidarlo. Somos presencia en un viaje hecho de fugacidades viviendo en perpetuo instante de extrañeza. Somos nada preñada de ser. Así me gusta creerlo. Así lo creo.

Ahora deseo liberar al espíritu de su prisión de sueños con este pasaje de la novela de Eduardo Casanova:

... Dios se hizo hombre, se encarnó en Cristo y es todos nosotros. Todos nosotros somos Dios. Todos somos Dios. La paz invadió las facciones del moribundo. (...)

Si ya no se encuentra respuesta ante la pregunta de la muerte, sólo queda decir ¡Oh feliz muerte!

Gracias a Eduardo Casanova por esta novela admirable

Frank Ziccarelli y su poemario Garabatos

2010-06-30T06:52:00.000-07:00

Por Edgar Vidaurre

El diccionario de la Real Academia de la Lengua Española define “Garabato” como: Rasgo irregular hecho con la pluma, el lápiz, etc. También lo define como aquellos Garfios de hierro que sujetos al extremo de una cuerda sirven para sacar objetos caídos en un pozo, o como el Instrumento de hierro cuya punta forma un semicírculo y que sirve para tener colgado algo, o para asirlo o agarrarlo. Igualmente conocemos la advocación de garabato como la representación arbórea de lo duradero y permanente pero al mismo tiempo suave y fresco en la figura del Abedul y por último, y la más hermosa, aquella que lo equipara con la gracia y el garbo de una mujer, aunque no sea bella…

Leyendo despojadamente el poemario de mi amigo Frank Ziccarelli, me atrevo a decir que, en el mismo, el poeta aborda las cuatro acepciones de garabato antes mencionadas (y seguramente muchas otras), toda vez que, aún refiriéndose de manera general e inicial en el título del libro a aquello que trazamos de forma irregular y sin sentido premeditado (bien sea con el lápiz o incluso con el cuerpo), en la lectura de los poemas percibimos fuertemente, cómo este hombre con gran destreza y oficio (tal vez por su trato íntimo con el hierro y el metal) es capaz de hundir con los ojos cerrados pero con mano firme y viril, los garabatos de hierro y aperos de pesca en el pozo de las imágenes de su inconsciente para asirlas, agarrarlas, traerlas a la superficie y así colgarlas en nuestra mirada, a veces con la apostura de un abedul pescador de vientos, o de manera conmovedora…como siguiéndole el paso a una bella mujer.

Tal vez el que escucha el inicio de esta presentación pensará que estoy catalogando al poeta como un poeta surrealista. Incluso, a lo mejor, corro el riesgo de que Frank se ponga bravo conmigo, pues hoy en día algunos poetas se molestan cuando se sugiere alguna relación de su trabajo literario con el surrealismo (por supuesto con ese surrealismo de simple postura o cliché gastado, teórico, ya académico)

Sin embargo, como decía Odiseo Elytis, todo buen poeta en principio es surrealista, y citamos textualmente, “con el surrealismo construimos algo distinto, que dista mucho de su teoría inicial, algo único y que presenta por lo mismo un interés especial. Desafortunadamente, no fue enfrentado nunca de esta manera por los críticos, ni comprendido por los más jóvenes, que se expresan con ironía del surrealismo, porque no conocen de él sino y solamente lo que enseñan las enciclopedias, es decir, la escritura automática, la imagen extravagante y su recurso al onirismo…”

Ese plus, ese construir afanosa y pacientemente pero con pureza y vigilia es, a mi sentir, exactamente lo que hace este poeta pescador. No se trata entonces de un simple ejercicio de asociación automática de imágenes inconscientes, sino de un arduo así como esplendoroso trabajo en los amplios espacios que supone un altamar cósmico, para velar y buscar las imágenes más autenticas. Luego, con las virtudes del hierro y la destreza de la mano sabia y curtida por el tiempo (también cósmico), pescarlas de manera indemne, sin matarlas o destruirlas, dejándolas con todo su brillo, con toda su frescura siempre viva, o mejor aún para dotarlas esta vez de una nueva y vigorosa vida.

Obviamente este oficio de velar (y de develar) en el medio de ese bosque oceánico (y como dijimos cósmico) para presenciar la aparición de las imágenes más llamativas y brillantes, entre las sombras esperanzadoras de las madrugadas, implica irremediablemente la presencia inminente de la luz, luz de lámpara encendida en medio de la noche-madrugada mientras aún se encuentran indiferenciados el cielo y la tierra, y en donde encontramos nuevamente los oficios del hierro, bien como instrumento escudriñador de la tierra a través de una escardilla, o bien como ese hierro que irradia la luz para escudriñar el cielo.

He aquí, en este poema de mi amigo Frank, cómo se despliega literalmente ante nuestros ojos esta nueva y dinámica realidad: “El pionero del garabato, no fue el que inventó la escardilla. En la negra noche, no vio la hendidura paralela, el que la lámpara encendió, en fuga. El que inventó la máquina iluminadora, despertó el surco insignia, develador de un diezmo, de la prístina flor del bosque. A los ojos del madrugador, abra tierra a los cielos despejados. Que la semilla desate su sombra”.

Aquí vemos pues, cómo con trazos espontáneos, sin premeditación alguna y con la frescura de un garabato magistralmente descrito y ejecutado, el poeta nos habla al mismo tiempo de los hierros de pesca, de aquella fortaleza que nos permite escudriñar y atrapar lo que vemos en el fondo pero, como dijimos, diestramente, con la finura innata que nos otorga la paciencia de los pescadores o del árbol… ese abedul arraigado en la tierra pero también nocturno pescador de vientos y de cielos.

Ya para seguir la secuencia de estos sentires, a la cuarta gracia que posee la palabra garabato, es decir la gracia de una mujer (las mujeres siempre son bellas), y que en este caso se convierte en la pescadora de nuestra mirada más interna y secreta, la encontramos cuando la palabra se posa en el ala izquierda de la rosa…cuando en silencio se desplaza por la Vía Láctea, “en la cresta del colibrí, y en íntimo rocío retorna al cuerpo curtido, al trazo…o también cuando él la evoca: ella así va, más allá con sus sueños, recogiendo las palabras, escritas con premura…tantas veces la he visto como la misma tierra incomprensible…los ojos de vida penetran el recuerdo de mi Columba cuando se fue, envuelta en su luz…y finamente cuando se entrega a ella en un beso, un orgasmo, un dejarse ir en la pausa, fundido, volver sin añadiduras al cuerpo flotando…”

Pero tal vez la más extraordinaria y casual de las fusiones de las distintas acepciones y significados de la palabra garabato que nos regala el poeta, está en el poema Urkía. Aquí vuelven a aparecer como peces insistentes en el fondo de la red, la mujer, el hierro (esta vez en forma de yunque), el árbol y por supuesto la luz. Urkía, quien era la mujer del cacique Guaicapuro, es invocada por el poeta: Eres zaeta que se hunde en el laberinto de la cascada violeta. Que deshaces la yunta del fuego traidor. Urkía. Madre. Sumo en la tierra de los huesos retoñados, que cruza la historia esparciendo cenizas al vuelo de la luz. Que amaina la tempestad iracunda…Aquí no debemos olvidar la advocación arbórea de las divinidades femeninas en las mitologías de nuestros indígenas, hecho que, de manera impresionante, se une con los mitos vascos que le dan también el nombre de Urkía al árbol Abedul, significando la esencia y la presencia determinante de las fuerzas femeninas en la naturaleza.

Por otra parte, no puedo dejar de lado, al comentar las imágenes del poeta, la presencia compartida de su perro. Al igual que él, yo también pienso que mi perro es la prolongación de mi mismo, de mis propios sueños y de los retornos de luz cada mañana. A mi perro tampoco las ranas le perturban el resplandor de su ladrido…

A todo ello, a lo que hemos dicho, hemos también de agregar la cadencia personal del poeta, su tono (como él mismo dice) lleno de Karibe, de noche de mar y de luz de madrugada, su mañana de tamarindo, colgado a la longevidad, a ese Corpus Áurico de Armando Reverón en donde la arena blanquísima dibuja sus ojos en la rada…y reflota, su fulgurante recorrido que se balancea entre el garabato y el boceto, el retrato, la mascarilla y la sombra.

Al final del poemario encontraremos para nuestra sorpresa otro poemario distinto pero igual, lleno de imágenes pero esta vez más sosegadas, más reposadas, especie de haikus karibeños. Aun así, volveremos a ver nuevamente y por última vez a King (el perro de Frank) haciendo a su vez unos garabatos y subiéndose triunfador a un autobús con las pestañas quemadas y los garabatos de Ziccarelli en la boca.

No es pues, para terminar, esta poesía una poesía que se pueda catalogar o poner en canon alguno establecido. En todo caso si pertenece a algún canon, será con certeza a ese canon secreto, oculto que sólo algunos poetas conocemos. Bien nos dijo el poeta en su poema titulado Dijo el poeta: “Un canon embotellado no es sólo un empaque inteligente, aprendizaje de vida en lo infinito. No señor, es fuego lamiendo fuego…”

Edgar Vidaurre

Maribel Proietti encuentra a Manuelita en este siglo

2010-06-06T08:15:00.000-07:00

Por Carmen Cristina Wolf

Con entusiasmo recibo de manos de su autora, el manuscrito del poemario Buscando a Manuelita en este siglo, de Maribel Proietti. Es una osadía poética muy femenina seguir las huellas de Manuela Sáenz, una mujer reconocida como heroína de la Independencia del Ecuador, Colombia y Perú. Importantes historiadores y biógrafos la consideran un ejemplo de inteligencia, valor y tenacidad. Destacada patriota ecuatoriana, despertó el interés y la pasión de Simón Bolívar, transformándose en su amante. En su época fue severamente criticada por enfrentarse a las costumbres de una sociedad que consideraba a las mujeres como seres inferiores, que sólo debían dedicarse a las labores del hogar, sin derechos políticos, sujetas al yugo de sus padres, hermanos y maridos. Manuela llegó a ejercer influencia política y colaboró siempre con la causa de Bolívar, lo cual consta en las cartas escritas por ambos y en las consideraciones de los biógrafos más reputados. Ello le valió el exilio y el destierro. Durante décadas, influyentes intelectuales e historiadores omitieron el papel que jugó Manuelita en la gesta libertadora, hasta que en la primera mitad del siglo XX, comenzó a otorgársele la preponderancia que merece. Para los movimientos feministas en un icono, una verdadera leyenda.

Con su estilo audaz y conciso, Maribel Proietti escribe:

Buscando a Manuelita
Mujer fastidiosa
convierte su piel
en hombre

no colocarlo
en jaula

comparte
la cama
como
otras
apasionada inútil

sobras
de
otros
platos

lucha
lucha
por la revolución
de su amante…

Esperamos que pronto salga a la luz la publicación de este libro, Buscando a Manuelita en este siglo, que nuevamente pone de manifiesto los cambios históricos de un gran amor unido al profundo anhelo de libertad individual y social. Manuela es un ejemplo a seguir para los pueblos oprimidos. Gracias Maribel, por estos poemas que será un placer para los lectores.

Caracas, Junio de 2010

TERRUÑO, poema de Bella Clara Ventura

2010-05-06T08:06:00.000-07:00

TERRUÑO

Ya la ira de los cielos

nos llevó al diluvio.

Quiso enseñarnos

el respeto entre semejantes

y la elevación de las especies

en brillos de rutas a su alcance.

Esta vez ni agua

para navegar hallaremos.

Las brújulas sin nortes,

bitácoras en olvido.

La humedad sólo cubrirá alguna mejilla

extraviada entre chamizos.

Encallados los sueños

se vestirán de luto.

Y un solo hombre que quede

clamando conciencia

será la respuesta al desastre universal

que boga hacia la orilla humana.

Es tiempo de despertar,

de hacer de la palabra

la acción de paz

y del verso el canto del alma,

música del llanto,

un réquiem a la muerte.

¿Hasta cuándo?

el ser en su carrera armamentista,

de inconsciencias henchido

nos lleva a recordar a Noé,

presente en cada escape de nuestra vida

cuando encaminamos

el timón hacia el desvío.

Bella Clara Ventura, poeta, novelista y ensayista colombiana, con una extensa obra publicada y reconocimientos nacionales e internacionales

UN POEMA DE ELEAZAR LEÓN

2010-04-15T09:36:00.000-07:00

El 29 de abril se rendirá un homenaje al desaparecido escritor Eleazar León, en la Sala Cabrujas de Caracas, Centro de Cultura Chacao, a las 6 de la tarde. En memoria de este admirado poeta venezolano, nacido en Caracas en 1946, publicamos un poema de su autoría:

HECHIZO
En el aprendizaje de las pérdidas, conocí el amor
a los nueve años, las manos mínimas de ofrendas que
comprendí como la belleza, esa luna extraña.
Ella mordía mandarinas en el fervor del atardecer.
(Las clinejas le tejen un asombro de niña con su boca
en los años.
Yo la sentía como una música de caricia de fiebre
y mientras me alejaba ya no sabía de mi cuerpo, que
seguía con ella sin entender las despedidas, el adiós
que los días le imponen a la inocencia.
Al otro día la misma espera.
Ardía, la inminencia de su llegada me hacía temblar.
Era el asombro y el desamparo, el hechizo y su ausencia.
Esa luz me tocó y no me abandona.
Aprendí sin olvido que es en el eco de otro pecho donde
se agranda tu corazón.

Poema de Reverencial, Monte Avila Editores 1992

El poeta José Jesús Villa Pelayo escribe en su blog Poetas Venezolanos:

"Siempre recordaremos a Eleazar León por su valentía, su coraje, su ausencia de temor a la hora de decir lo que pensaba, lo que sentía. Siempre estuvo del lado de las verdades y de las resonancias, de la integridad.

Su voz profunda, atildada, fina, cromática, invocaba la poesía; indefectiblemente habitada por sus ecos. En él (y en su palabra) siempre algún verso, algún poema; podía recitar muchos de memoria, porque convivía, abierta y deliberadamente, con el hecho poético, con los habitantes de la poesía. Era uno de esos habitantes habituales, fugaces, como todos. Su poesía era una hábil y sagaz mezcla de sabiduría, percepciones, imágenes cotidianas pero universales, emociones, amor, sobre todo aquel que no se encuentra con frecuencia, ése que ansían y ofrecen los trovadores ante las inaccesibles damas de los castillos imposibles y sus cortes. Observador atento del mundo y sus objetos. "

POEMAS DE HEBERTO PADILLA, UN POETA QUE DIJO LA VERDAD

2010-03-13T15:22:00.000-08:00

En homenaje a los presos y perseguidos políticos de los regímenes totalitarios actuales, he elegido unos poemas del escritor y periodista cubano Heberto Padilla, quien fue víctima de persecución y encarcelamiento junto con su esposa y tuvo que emigrar a los Estados Unidos. Ambos fueron acusados por el Departamento de Seguridad del Estado de “actividades subversivas” contra el gobierno. Su encarcelamiento provocó una reacción en todo el mundo, con las consiguientes protestas de conocidísimos intelectuales entre los que figuraban Simone de Beauvoir, Margarite Duras, Carlos Fuentes, Juan Goytisolo, Alberto Moravia, Octavio Paz, Juan Rulfo, Jean-Paul Sartre, Susan Sontag, Mario Vargas Llosa y muchos otros. Después de 38 días de reclusión en Villa Marista, Padilla leyó en la Unión de Escritores su famosa Autocrítica. Su esposa logró salir con su hijo pequeño hacia Estados Unidos en 1979, y al año siguiente, gracias a la presión internacional, permitió a Padilla viajar también a ese país. Llegó a Nueva York, vía Montreal, el 16 de marzo de 1980. Como testimonian su esposa y el escritor Guillermo Cabrera Infante esta experiencia y el exilio cambiaron a Padilla, que enfermó espiritualmente y nunca pudo reponerse del todo.

FUERA DEL JUEGO

A Yannis Ritzos, en una cárcel de Grecia

¡Al poeta, despídanlo!
Ese no tiene aquí nada que hacer.
No entra en el juego.
No se entusiasma.
No pone en claro su mensaje.
No repara siquiera en los milagros.
Se pasa el día entero cavilando.
Encuentra siempre algo que objetar.

¡A ese tipo, despídanlo!
Echen a un lado al aguafiestas,
a ese malhumorado
del verano,
con gafas negras
bajo el sol que nace.
Siempre
le sedujeron las andanzas
y las bellas catástrofes
del tiempo sin Historia.
Es
incluso
anticuado.
Sólo le gusta el viejo Armstrong.

Tararea, a lo sumo,
una canción de Pete Seeger.
Canta,
entre dientes,
La Guantanamera.
Pero no hay
quien lo haga abrir la boca,
pero no hay
quien lo haga sonreír
cada vez que comienza el espectáculo
y brincan
los payasos por la escena;
cuando las cacatúas
confunden el amor con el terror
y está crujiendo el escenario
y truenan los metales
y los cueros
y todo el mundo salta,
se inclina,
retrocede,
sonríe,
abre la boca
"pues sí,
claro que sí,
por supuesto que sí..."
y bailan todos bien,
bailan bonito,
como les piden que sea el baile.
¡A ese tipo, despídanlo!
Ese no tiene aquí nada que hacer.

De "Fuera del juego" 1968

ESCRITO EN AMÉRICA

Ámalo, por favor, que es el herido
que redactaba tus proclamas,
el que esperas que llegue a cada huelga;
el que ahora mismo tal vez estén sacando de una casa a bofetadas,
el que andan siempre buscando en todas partes
como a un canalla
Heberto Padilla estudió periodismo en la Universidad de la Habana y humanidades y lenguas en el extranjero. Hablaba francés, inglés, alemán, ruso, italiano y griego. Fue corresponsal de Prensa Latina en Nueva York (1959) y la Unión Soviética (1962-1964), así como comentarista radial en Miami, ciudad en la que se desempeñó también como profesor de inglés (1956-1959). En 1959 se va Nueva York para trabajar como profesor y traductor de las Escuelas Berlitz, pero el mismo año regresó a Cuba para formar parte del periódico Revolución. Colaboró en la revista Unión, fue director de Cubartimpex, organismo encargado de seleccionar libros extranjeros (1964), representó al ministerio de Comercio Exterior en los países socialistas y escandinavos y regresó a Cuba en 1966, ya con una visión crítica del régimen que imperaba en su país.

Ese mismo año se convirtió en centro de una polémica cultural en las páginas de Juventud Rebelde, a pesar de lo cual obtuvo el Premio Nacional de Poesía por Fuera del juego, lo que motivó las protestas de la Unión de Escritores ya que el libro era considerado contrarrevolucionario. En 1967 comienza a trabajar en la Universidad de La Habana hasta que el 20 de marzo de 1971 es detenido a raíz del recital de poesía dado en la Unión de Escritores, donde leyó Provocaciones. Padilla fue arrestado junto con la poetisa Belkis Cuza Malé, su esposa desde 1967.

Carmen Cristina Wolf

Novela de Eduardo Casanova entre las finalistas del Premio de Literatura Arturo Úslar Pietri

2010-02-28T06:58:00.000-08:00

El joven escritor venezolano radicado en Madrid, Eduardo Sánchez, ganó el Premio de Literatura Arturo Uslar Pietri con la novela Blue Label, según dio a conocer el veredicto del jurado conformado por Jordi Carrión, Francisca Noguerol, Carlos Pacheco, María del Pilar Puig y Miguel Gomes.
Pacheco, presidente del jurado, fue quien le dio la noticia al feliz ganador, quien manifestó estar pasando por una dura situación económica, razón por la cual 25 mil dólares le caen muy bien.
“¡Qué bueno, porque me estoy comiendo un cable!”, dijo el ganador al enterarse del fallo.

Se pudo conocer, que la discusión final se había concentrado en la novela de Sánchez y en La jaula de los tigres, pero que el jurado determinó darle el premio a Bule Label por cuestiones generacionales.El jurado destacó que entre las novelas finalistas están otra del mismo autor, Transilvania unplugged. Dos más, Anidonía, de un mexicano, y La jaula de los tigres, del caraqueño Eduardo Casanova Sucre. El escritor venezolano y editor Carlos Pacheco señaló que la novela de Casanova impresionó vivamente a todos los integrantes del jurado, pero, desafortunadamente, las bases del premio no permiten que se divida entre dos participantes

El ganador manifestó que estaba muy desengañado, escribiendo desde hace mucho tiempo sin ver los beneficios. “Sabía que quería dedicarme a la literatura, pero me harté de enviar mis obras a concursos internos de España sin ganar nada. Viéndolo en perspectiva, creo que así está mejor, porque el Premio Iberoamericano Arturo Uslar Pietri tendrá mucho más peso y será una puerta importante para mi carrera”.

Sánchez está a punto de terminar un máster en Estudios Literarios en la Universidad Complutense de Madrid. Tiene 32 años.

Libros en la Mesa Hispanoamericana

2010-02-20T09:43:00.000-08:00

Les recomendamos leer el Papel Literario de El Nacional de fecha 20 de febrero de 2010, que dedica sus páginas a la narrativa venezolana y algunos de los más recientes li9bos: El pasajero de Truman de Francisco Suniaga; Danzas tristes de Ugo Ulive; Ednodio Quintero con Combates, Cuentos completos del autor; Gustavo Valle con Bajo Tierra y Carlos Villarino con la obra El otro infierno. Sobre estos títulos escriben sus reflexiones Miguel Gomes, Ana Teresa Torres, Andreína Guenni Bravo y Ernesto Pérez Zúñiga.

Miguel Gomes comparte con el lector sus opiniones sobre la novela La enfermedad de Alberto Barrera Tyska y acerca de Bajo tierra de Gustavo Valle. Un inteligente enfoque que no debemos dejar pasar. El escritor se encuentra en Venezuela con motivo de la entrega Premio Uslar Pietri de Narrativa, cuyo veredicto ser`´a dado a concer el viernes 25 de febrero a las 10 y media de la mapñana en la Casa Uslar de La Florida. La Editorial Equinoccio presentará el libro de ensayos La realidad y el valor estético de Miguel Gomes, el miércoles 24 de febrero a las 6 de la tarde en el Auditorio de la Facuktad de Humanidades y Educación de la Universidad Central de Venezuela.

En el Papel Literario la novelista, ensayista y editora Ana Teresa Torres escribe sobre los cuentos de El otro infierno de Carlos Villarino. Andreína Guenni revisa la novela de Ugo Ulive, Danzas tristes y Blanca Arbeláez reflexiona sobre el libro de relatos Crei que me besarías antes de partir, de la escritora Ana María Velásquez. Ana Teresa Torres es Miembro del Consejo Consultivo del Círculo de Escritores de Venezuela.

Recomendamos leer estos títulos de la nueva narrativa venezolana, que desde hace algunos años interesa a la más destacada crítica hispanoamericana.

Carmen Cristina Wolf
Círculo de Escritores de Venezuela

http://literaturayvida.blogsome.com

http://circulo0descritoresvenezuela.blogspot.com

ANA MARÍA EIRAS: DESCUBRIR NUESTRA MISIÓN

2010-02-13T15:21:00.000-08:00

Por Carmen Cristina Wolf

Cuando alguien es conducido por un gran propósito con fuerza y determinación, el pensamiento rompe los límites y la mente trasciende sus barreras, en su afán de transitar el camino trazado. Así ocurre con Ana María Eiras, quien no sólo con su voz poética, sino tomando esta vez las riendas de la narrativa, entra en mundos paralelos y sorprendentes. Ana María Eiras es una luchadora de las causas sociales, fundadora y Presidenta de la ONG Solidaridad Internacional Valle de Caracas, dispuesta a tender su mano solidaria por los necesitados e indefensos. Es Miembro del Consejo Consultivo del Círculo de Escritores de Venezuela y de la Sociedad Argentina de Escritores.

Goethe escribió: “El hombre no nació para resolver los problemas del universo, sino para descubrir lo que ha venido a hacer en él”. Y uno de los descubrimientos trascendentales de Ana María Eiras, ha sido dedicarse a su vocación de escritora. Nacida en Azul, provincia de Buenos Aires, vivió luego en La Plata y durante largo tiempo se ha residenciado en Venezuela. Es autora de tres libros de Poesía: Cartas Azules, Comarca interior y Un vuelo sólo para gaviotas. Sus poemas han sido seleccionados para integrar la Antología Poética del Círculo de Escritores de Venezuela.
Publica en el año 2004 Amor con sabor se paga, cuya presentación se realizó en la Feria Internacional del Libro de la Ciudad de Buenos Aires. En el 2005 publica Adelgazar con estilo, La cocina de la autoestima.
Su nuevo libro Los secretos de Aurora publicado por la Editorial Vinciguerra, Colección Breviarios, Buenos Aires 2009 es una novela de personajes, narrado por una observadora invisible, que esboza con certeras pinceladas los principales rasgos del personaje principal y los secundarios, los ambientes, vestuarios y atmósferas. Aurora no es mujer común, ella ama la novedad, los viajes, los ambientes elegantes y sofisticados tanto como los lugares más humildes y sencillos. Ella escribe con notable encanto, en un diario, las características de los seres que van apareciendo en su vida. Aurora ha nacido en una situación privilegiada, es inteligente y bella, con un sin fin de posibilidades para realizar sus anhelos.
La novelista escribe también poesía. Un libro abre sus páginas en mi sillón de lectura, con su portada azul como el color de los ojos de su autora, una mujer de alta sensibilidad y fuerza expresiva. Se trata de Un vuelo sólo para gaviotas, título sugerente, veintitrés poemas que se suman a dos libros anteriores, Comarca interior y Cartas Azules. Con las palabras justas, sin adjetivaciones desmedidas, Ana María desencubre el esplendor y las sombras que se presentan a diario en el vivir, en la sociedad y en el cosmos. Sin pretender hacer una poesía reflexiva, invita a pensar en la superposición de los tiempos, que al fin y al cabo establece nexos y sincronicidades porque no existe el tiempo, sólo nuestra percepción de los acontecimientos lo crean. Escribe: Cada tiempo otro tiempo/El misterio de vivir y morir/A cada etapa/siendo otros en nosotros mismos./Siempre en búsqueda de algo/que nos mantenga distraídos.
Hasta dejarnos al final/desguarnecidos,/solos,/aferrados al misterio (…)
Ana María Eiras indaga a través en la garra dolorosa de la impermanencia y se interroga. Al no encontrar respuesta, se emplea en la búsqueda de lo desconocido. Y lee, viaja, juega, crea y destruye, corre y se detiene hasta los últimos atisbos de luz de luna. ¿Para quedar al final “desguarnecidos”? Eiras queda despojada en el sentido de carente de adornos, de todo lo superfluo. Mas no sin fortaleza, pues ella se aferra a la flor de aire, la palabra, y se refugia en lo que es en verdad real, el poema. Viaja incansablemente y escribe: Cazadora de rostros / me busqué / casi alocadamente.

Me siento obligada ante el futuro lector, no sin hacer un sacrificio, a callar los encuentros, desencuentros y aventuras de la protagonista, sólo puedo decir que la estructura de la novela mantiene nos mantiene en vilo, con su impecable planteamiento, desarrollo y un desenlace conmovedor. Confieso que Aurora me ha atrapado por sus excentricidades y por su generosidad. Estoy segura de que Eiras no escribió Los secretos de Aurora para dar lecciones a nadie. Ella crea al personaje y él va tomando independencia yéndose por sus fueros y obligando a la escritora a seguirlo. Sin querer, la novela nos mueve el piso de nuestra propia existencia, nos hace cuestionarnos acerca de nustra misión en el mundo y sobre el daño que recibimos cuando hacemos depender en demasía nuestra realización y estabilidad emocional en el amor de los demás.

“Como en un mundo lleno de misterios y fantasías”, cito una frase de Ana María refiriéndose a Aurora, así vive esta mujer singular que ha terminado tomando un lugar no sólo en mi biblioteca sino en mi corazón. Ella es un personaje verosímil, creíble, y se parece a mí en algo: le gusta mucho su cama. Allí se siente una reina desde que era muy joven. Coincido en pleno con ella, porque la cama fue creada para uno de los mayores placeres que existen: leer, ver documentales de ciudades, museos, óperas y ballets. Películas de mis actores favoritos. También dormir. Y, tendré que decirlo, bajo pena de quedar como una hipócrita redomada, para los juegos de los amantes.
Eiras ha escrito una novela psicológica, el tono descriptivo y narrativo es manejado con maestría y una vez comenzada no puede dejarse. Porque Aurora es entrañable, sensible, adorable, con todos sus defectos y frivolidades. La escritora hace un relato de sus andanzas, gustos y alegrías. Con economía de lenguaje y certeros trazos nos pone frente a los valores, costumbres y cultura de la protagonista y de su época.

Lidia Vinciguerra escribe en la contraportada del libro:
“Ana María recrea obsesiones, máscaras, tatuajes que el hombre ha utilizado desde los comienzos de la civilización, para despojarse de las carencias existenciales… para desarrollar el personaje de Aurora, nuestra escritora ha tenido que trabajar en este gran tema social al que el universo del hombre queda amarrado con visible intensidad.” El manto de la soledad, que se va tejiendo como sombra ineludible en el paso de los años y tanto tiene que ver con el amor y el desamor.

Quiero detenerme en un punto que no es precisamente reprochar a Aurora por su paulatina pérdida de sentido de la vida. Nos hace reflexionar esta mujer en las veces en que hemos sido indiferentes, egoístas, ante esas personas de quienes recibimos atenciones y delicadezas, pero vivimos en nuestro pequeño mundo y no nos damos cuenta cuando ellas necesitan de una palabra amable, una llamada telefónica, una visita. Cuántas personas son especiales con nosotros y no nos damos cuenta si están abatidos, si se sienten tristes. El poemario Un vuelo sólo para gaviotas de Ana María Eiras abre sus páginas con un epígrafe de Salvatore Cuasimodo: “Cada uno está solo en el corazón de la tierra, traspasado por un rayo de sol y en seguida atardece”

En cuanto a la vocación del que trabaja con las palabras, leamos lo que dice al respecto la novelista venezolana Ana Teresa Torres: “Quien escribe es alguien que toma en serio el lenguaje. Es alguien que cree en las palabras y siente un sagrado respeto por lo que las palabras signifiquen”. Así, siento que Ana María es una mujer que se toma en serio la escritura. Concluyo con un poema de Ana María, que bien podía haber sido escrito por Aurora:

Cada tiempo otro tiempo.
El misterio de vivir y de morir
a cada etapa
siendo otros en nosotros mismos.
Siempre en búsqueda de algo
que nos mantenga distraídos.
Hasta dejarnos al final
desguarnecidos,
solos,
aferrados al misterio
del último suspiro
(Un vuelo sólo para gaviotas, p. 21)
Carmen Cristina Wolf

Ana Teresa Torres: La herencia de la tribu

2010-01-16T05:57:00.000-08:00

Ana Teresa Torres: “La herencia de la tribu”

Por Carmen Cristina Wolf

La Editorial Alfa publicó, como parte de la colección Biblioteca Ana Teresa Torres, “La herencia de la tribu”. Del mito de la Independencia a la Revolución Bolivariana. La obra se adentra en nuestra identidad y desenmascara las pasiones con las que se la ha construido. Señalado como un libro esencial para la comprensión de nuestra contemporaneidad, el jurado del Premio de Ensayo Debate-Casa de América 2009 hizo un llamamiento y recomendación especial para su publicación, al reconocer “el valor y mérito de la obra, dado que realiza un aporte fundamental a uno de los temas más pertinentes de la actualidad política latinoamericana”.
Ana Teresa Torres es Miembro del Consejo Consultivo del Círculo de Escritores de Venezuela y recibió en el 2001 la Medalla Lucila Palacios concedida por esta Organización, por su obra literaria. Colabora frecuentemente en la prensa nacional así como en revistas especializadas
En la celebración de la FIL, el escritor mexicano Jorge Volpi elogió el texto de Ana Teresa Torres. En este sentido, Volpi manifestó que “me ha ayudado a conocer mucho mejor cuál ha sido el desarrollo político de este país (Venezuela) a lo largo del siglo XIX y principios del XX, pudiendo encontrar paralelismos, y al mismo tiempo diferencias, con la realidad mexicana o de otros países de la región”. De igual manera, el autor indicó que “la última parte es, quizás, el análisis más lúcido que me ha tocado leer sobre el régimen chavista en nuestra época, porque sin dedicarse a la descalificación fácil, sin buscar un modelo ideológico aparentemente liberal al descalificar el supuesto ‘Socialismo del siglo XXI’ bolivariano de Chávez, se hace un inventario claro de cómo se llega a este estado de cosas”. Para concluir su intervención, Volpi comentó que “es un libro esclarecedor sobre cuáles son las condiciones actuales de Venezuela; sobre cómo el régimen de Chávez se ha apropiado de cada uno de estos mitos y de cómo los ha transformado en su propio beneficio; y de cómo esta reconstrucción general del país termina siendo, en el fondo, profundamente peligrosa para toda América”.
Nacida en Caracas, Ana Teresa Torres (1945) es psicóloga egresada de la Universidad Católica Andrés Bello. Trabajó durante muchos años en esta profesión, tanto en la práctica psicoanalítica como en la docencia en varias instituciones, entre ellas la Universidad Central de Venezuela. De su experiencia en esta área ha publicado varios libros de ensayo: Elegir la neurosis (1992; 2002); El amor como síntoma (1993) y Territorios eróticos (1998).
En 2001 recibió el Premio Anna Seghers de la Fundación Anna Seghers de Berlín por su obra general. En 1984 ganó el concurso de cuentos del diario El Nacional de Caracas con Retrato frente al mar, y posteriormente ha publicado las novelas El exilio del tiempo (1990), Premio Municipal de Narrativa y Premio de Narrativa del Consejo Nacional de la Cultura; Doña Inés contra el olvido (1992, 1999), Premio de Novela de la I Bienal Mariano Picón Salas (Mérida). En 1998 esta novela obtuvo el Premio Pegasus de Literatura otorgado por la Corporación Mobil a la mejor novela venezolana escrita en la última década, fue traducida al inglés por Gregory Rabassa y publicada en la Louisiana State University Press, y en Londres por la editorial Weidenfeld. Otras novelas son, Vagas desapariciones (1995), Malena de cinco mundos (2000), Los últimos espectadores del acorazado Potemkin (1999) y La favorita del Señor (2001).
También ha publicado el libro de ensayos y crítica A beneficio de inventario (2000) y una recopilación de narrativa breve (1966-2001) en Cuentos completos (2002).
Ha sido invitada a distintos encuentros literarios nacionales e internacionales en México, Alemania y los Estados Unidos, y ha representado a su país en eventos literarios. En 1998 fue residente invitada en el Bellagio Study Center de la Fundación Rockefeller (Bellagio, Italia) para trabajar en el proyecto Antología crítica de escritoras venezolanas del siglo XX con Yolanda Pantin, actualmente en preparación por Fundación Polar y Angria Editores.
Su trabajo literario se estudia en las universidades nacionales y es considerada por los críticos de otros países. Algunos de sus libros son: El principio radical de lo nuevo. Postmodernidad, identidad y novela en América Latina de Julio Ortega (1997); Escritura y desafío. Narradoras venezolanas del Siglo XX de varios autores, preparado por Edith Dimo y Amarilis Hidalgo (1996); Mujer e Historia: La narrativa de Ana Teresa Torres de Gloria da Cunha-Giabbai (1994); La historia en la mirada: Ana Teresa Torres, Laura Antillano y Milagros Mata Gil de varios autores (1997); La novela intrahistórica: Tres miradas femeninas de la historia venezolana de Luz Marina Rivas (Universidad de Carabobo, 2000).

Literatura venezolana casi desconocida en otros países

En un trabajo realizado por Michelle Roche Rodríguez (El Nacional, 2/11/2008), la periodista analiza la posición de la literatura venezolana en extramuros. Se refiere a una rueda de prensa realizada por el escritor mexicano Carlos Fuentes en la Casa de las Américas, sobre la nueva narrativa, en la cual “relegó a la literatura venezolana”. No obstante, hace mención de las palabras de Gustavo Guerrero, jefe editorial para España y América Latina de Gallimard, quien se muestra extrañado de esta omisión. Este se refiere a la adjudicación del Premio Herralde a Alberto Barrera Tiszka con su novela La enfermedad; y la publicación de Falke de Federico Vegas en México. Merece la pena agregar la reciente edición de la novela Niebla de pasiones de la venezolana Marisol Marrero por la Editorial Planeta, y las favorables reseñas que recibieron en la Feria de Frankfurt, los trabajos narrativos de Antonio López Ortega, José Balza, Juan Carlos Méndez Guédez y Atanasio Alegre, entre otros.
Héctor Torres, autor de La huella del bisonte, premiada recientemente, señala “la inexistencia de un venezolano en el boom hizo que por comodidad periodística y editorial se borrara a Venezuela del mapa’ El investigador y crítico Carlos Pacheco alude a la relevancia del Internet en la difusión e interés por parte de los “escritores gracias a las revistas por Internet y los blogs. Hoy casi todos se conocen entre sí y se crea una sinergia”.
Es interesante el crecimiento de las publicaciones nacionales, debido al alto costo y a las dificultades para la importación de libros en Venezuela. Lo que se observa de manera sostenida es la ausencia de políticas de difusión por parte de los organismos culturales en nuestro país y la escasa presencia de las editoriales venezolanas en las ferias internacionales de libros.
Alberto Barrera Tyszka advierte que “el momento es favorable para la lectura, se produce más en Venezuela … hoy leemos a los venezolanos con más gusto”. Antonio López Ortega advierte que “parte de la salud de la literatura venezolana es su diversidad. Hay constantes como la historia y la realidad, pero hay literatura diversa y eso es síntoma de vigor.”
La novelista Ana Teresa Torres señala que “los libros venezolanos no existen fuera del país. Las editoriales tienen armadas sus estrategias comerciales para publicar en cada país lo propio. Salvo excepciones con premios importantes.” Ana Teresa tiene una visión positiva del momento actual, pero percibe una falla en la crítica y pobreza en los espacios para la reseña literaria.
Comparto esta opinión de Ana Teresa Torres. Nos comprometemos a desarrollar una amplia difusión de la narrativa venezolana, e invitamos a los críticos a analizar las publicaciones de los escritores de Venezuela. Creo que se puede hacer un gran trabajo de divulgación de nuestra literatura a través de la Web, mas es indispensable la presencia de nuestras editoriales en los eventos internacionales.

Fuentes:

http://www.circulodescritoresvenezuela.org

www.analitica.com

PÉREZ ALENCART RECIBIÓ LA MEDALLA INTERNACIONAL DE POESÍA VICENTE GERBASI

2010-01-14T12:25:00.000-08:00

Alfredo Pérez Alencart, poeta peruano residente en Salamanca (España), recibió el Premio Internacional de Poesía “Medalla Vicente Gerbasi”, que concede el Círculo de Escritores de Venezuela, “por el conjunto y calidad de su obra poética, una voz fundamental de la actual poesía hispanoamericana”, según lo anunció la escritora venezolana Carmen Cristina Wolf, quien preside el Círculo de Escritores de Venezuela.
Nacido en Puerto Maldonado, Perú, en 1962, Pérez Alencart, con una extensa y sustancial obra publicada, es desde 2005 Miembro de la Academia Castellana y Leonesa de la Poesía. Desde 1998 es coordinador de los Encuentros de Poetas Iberoamericanos, que anualmente organizan la Fundación Salamanca Ciudad de Cultura y la Fundación Camino de la Lengua Castellana.
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Para Pérez Alencart, quien trabaja como profesor de derecho del trabajo en la Universidad de Salamanca, recibir este premio supone “un goce, pues siempre he admirado la obra de Gerbasi, y por la satisfacción de que mi Universidad también resulta reconocida y sirve de puente, una vez más, para un renovado vínculo con la cultura venezolana”.
Agregó que “todo premio al que uno no se postula debe ser recibido con inmensa gratitud” y contó que conoció la obra de Gerbasi de la mano de los poetas venezolanos Carlos Contramaestre, Enrique Hernández D’Jesús, Ramón Palomares y Eugenio Montejo. El galardón le fue otorgado en la ciudad de Caracas el Día del Escritor, en memoria del humanista Andrés Bello, nacido el 29 de noviembre de 1781.
En el 2010 se cumplen veinte de la fundación del Círculo de Escritores de Venezuela. La concesión del Premio ahonda aún más el acercamiento literario y cultural entre España y Venezuela.
Pérez Alencart destacó aseguró además que le “religa a Gerbasi el ser fruto de la inmigración hacia América y el haber vivido en regiones selváticas”, precisaron las mismas fuentes en nota de prensa. La carta que escribió para el acto de entrega del galardón, dice: “…mi emoción es ingrávida y está en la órbita de Caracas, planeando con mis hermanos venezolanos que pareciera que han muerto pero que yo los vivifico con mi buena memoria y con mi imaginación poética que, como ya anunció Huidobro, es hermana de la imaginación científica. Yo estoy por ahí, con Carlos Contramaestre, Caupolicán Ovalles, José Barroeta, Eugenio Montejo y Adriano González León..."

Fuente: http://www.circulodescritoresvenezuela.org

UN PROYECTO HECHO REALIDAD: RED MUNDIAL DE ESCRITORES EN ESPAÑOL: REMES

2010-01-10T12:54:00.000-08:00

UN PROYECTO HECHO REALIDAD: RED MUNDIAL DE ESCRITORES EN ESPAÑOL: REMES

Desde luego no entraba en mis más optimistas augurios que al poco de menos de dos años completos de la idea original del Directorio REMES, este se fuera a convertir en un referente fundamental para los escritores en lengua española y con más de 3.360 autores inscritos, pero la realidad –sobre todo cuando el empeño es importante y la necesidad existe- suele superar, a veces, los más fervorosos deseos.

La idea de crear un Directorio Mundial de autores en español surge –como bien se especifica en la portada de la Web- de dos necesidades básicas: fundar un directorio abierto de escritores en español que sirva como referencia y consulta para instituciones culturales, portales y revistas literarias, y poner un importante grano de arena contra el anonimato (tan estimulado por la Red con inacabables seudónimos o nicks parapetados) y contra el plagio literario, fenómeno cada vez más frecuente en Internet y secundariamente subvencionado por el anonimato de decenas de foros literarios y de revistas en la que los autores son un mero nombre –real o ficticio- tras del cual se esconden, a veces, verdaderos artistas del copio/pego sin el menor escrúpulo.

Pero detrás de estos básicos objetivos existía la confirmación de que un idioma tan importante como el español no podía dejar de tener en Internet una página referencial para sus escritores, y que había llegado la hora de que los escritores –sobre todo en la Red- no tuvieran que ocultarse y parapetarse en nicks deslumbrantes, en fotografías fantasiosas y en direcciones inexistentes. REMES, y la Revista Palabras Diversas –que se nutre, fundamentalmente, de los trabajos de sus miembros- son unas páginas descubiertas, con nombres, biografías y direcciones electrónicas abiertas y claras.

A priori la intención del Directorio REMES fue la de crear un lugar no exclusivo ni excluyente, donde cualquier autor –con biografía en papel o, simplemente, con escritos publicados en Internet- tuviera cabida, y esto, básicamente, por la constatación de que la mayoría de los plagios literarios se realizan en Internet, y porque en ningún caso deseaba que el Directorio se convirtiera en un lugar “elitista” donde solo fueran referenciadas “las vacas sagradas” de la literatura, ya habitualmente localizadas en lugares crematísticos como Wikipedia (por cierto, horrible nombre y fonéticamente insufrible).
Cierto es que el objetivo solo se ha cumplido a medias hasta la fecha: importantes escritores en español han hecho “oídos sordos” a la invitación de aparecer en REMES (bien parece que el elitismo de algunos es excluyente), si bien otros tantos escritores consagrados se apuntaron desde el principio al proyecto y sus fichas aparecen en el Directorio.

Huelga decir que todo el emprendimiento de REMES es altruista y sin ánimo de lucro, y que tanto los costes económicos (dominio, webmasters) como los de trabajo (recepción, edición y actualizaciones de fichas cada 3 meses) son absolutamente gratuitos y corren a mi cargo.
Pero es triste reseñar que los contactos que he tenido con Instituciones Culturales oficiales –básicamente de España, pero también con Sociedades de Escritores americanas (Biblioteca Nacional de España, Instituto Cervantes, SADE, SECH, Poetas del Mundo)- en orden a un apoyo “no económico” han sido vanas, lo que demuestra la miopía institucional y funcionarial de la mayoría de dichas instituciones.
Aunque tengo que hacer la salvedad de algunas Instituciones como la Academia Norteamericana de la Lengua Española, la Asociación Israelí en Lengua Castellana, la Asociación española de Escritores y Artistas, la Unión Hispanoamericana de Escritores, la Secretaría de Cultura Arte y Deportes de Honduras, y de decenas de portales y revistas literarias que amablemente colaboran en el proyecto REMES y cuyos logotipos enlazados aparecen en la portada de la web del Directorio.

Uno de los objetivos del Directorio REMES –la lucha contra el plagio- ha obtenido ya, en su corta andadura, éxitos espectaculares, y he podido comprobar que la sola referencia a una Denuncia Pública en la sección DENUNCIAS y DERECHOS de REMES, hace retirar de foros literarios y revistas numerosos plagios y plagiadores, que no son denunciados públicamente ante la retirada inmediata de sus plagios.
En otros casos la denuncia pública se plasma en la sección y queda como referencia de la copia y la mala praxis. Y en algún caso cierto personaje trastornado psíquicamente, plagiador confeso y expulsado ya de la mayoría de los sitios literarios de Internet (Jorge Lemoine), se dedica a mandar prolijos y abundantes correos encadenados llamándome lindezas como “delincuente máximo”. ¡Gajes del oficio desenmascarador!

Pero el Directorio REMES (la Red Mundial de Escritores en Español: REMES, www.redescritoresespa.com) va a seguir luchando contra el anonimato y el plagio
porque creo que es una labor necesaria y porque siento que nuestro idioma y nuestra literatura deben tener una página de referencia abierta y clara.
Me marco un objetivo a medio plazo que es llegar a las 5.000 fichas de escritores, y algunos objetivos difíciles a largo plazo como la realización de un Congreso en Madrid de REMES, lo más gratuito posible para todos sus miembros.

Gracias a todos los que han creído en el proyecto y han colaborado en él, y ánimo a los escritores que aún no han tenido a bien inscribirse.

Madrid 6 de Diciembre 2009

Luis E. Prieto

Co-responsable de REMES
Director de Palabras Diversas
Presidente para España de la Unión Hispanoamericana de Escritores

Resumen de Bibligrafía de Luis E. Prieto Vázquez
Melilla, España, 1947
Cerceda, Madrid, España

Libros publicados:
• Cantares de la Edad Adulta (poemas)
. El hombre, el hombre, el hombre: la tierra, la tierra, la tierra (teatro)
• Sensibilidades Primavera-2002 (Autor especial)
• Sensibilidades Verano-2002 (Autor especial)
• Diario de un Anarquista Atávico (Septiembre-2002)
• Sensibilidades Otoño-2002 (Autor especial)
• Todas las voces, una voz (Antología de poetas de Radio Nacional de España)
. Aladino está de vacaciones (relatos)
. Contra un muro de sal (poesía)
. Ditirambos (entre viajes y fantasías)
. Equidistancias de Mar y Sierra (poesía)
Ver más en www.redescritoresespa.com

EL RÍO INMÓVIL DE TUS LÁGRIMAS

2009-12-26T05:45:00.000-08:00

(Evocación de Buenos Aires)

Por Alejo Urdaneta

Siempre iba a La Costanera, a la hora del almuerzo, y entraba al mismo restaurante. Esa hora muestra al río inmóvil como un lagarto marrón echado con las fauces abiertas, en busca de la luz que el sol imprime a los edificios que bordean la avenida. Después del almuerzo echaba a andar hacia la dársena mientras recordaba un poema de Lugones que siempre leía:

“Largas brumas violetas
flotan sobre el cielo gris
y allá en las dársenas quietas
sueñan oscuras goletas
con un lejano país”

Así decía el poema, pero estaba seguro de la imagen que le hacía recordar el aceitoso río en aquel lugar quieto de turbulencia, pestilente hasta que lo limpiaron un día. Desde el muelle ve los barcos enormes, chorreados de brea, de chimeneas negras y largas como los días de verano, que imaginan viajes interminables a regiones desconocidas. Desconocidas para él en su Buenos Aires querido.
Este hombre solo que pasea al borde del río piensa en poemas que lo han emocionado, música que le ha dejado nostalgias. En pos de un amor perdurable pasan los años y continúa su rutina fluvial, río abajo hasta sentir el olor de los barrios cercanos, tocar con sus sentidos el rumor de lejanía que tiene La Boca.

Su ciudad, a la que ha querido descubrir, entrar en su secreto, se presentaba altiva, retadora frente a otros lugares que él desconocía. Era una adolescente cautivadora, con una lujuria escondida, no como la que ha visto en revistas de ciudades distantes: El Cairo, París… Su ciudad es seca y retraída, cerrada ante el asedio del amante impertinente, temerosa ante el extraño que desea develar su misterio. Por eso parece altanera. El dolor de la ciudad sale de bandoneones, de cantos tristes que esconden timidez. Observas a la gente de la calle y adviertes sus actitudes prevenidas, con la respuesta irónica como látigo; y si no es así, florece la melancolía de su hablar como un gemido. Y salen del pozo con rígida prestancia, para no admitir ningún abandono y justificar la frágil debilidad como un deber a lo ritual. Sabe que más allá de esta majestad de su manto se abre una enorme vastedad de silencio de dunas y viento, lugares en los que el desierto se agita y el hombre dialoga con la inmensidad.

Los que dicen conocerla, aman de ella su tristeza inconclusa, como una planicie amarilla olorosa a distancia. Aman su melancolía vaga como una pintura sin formas definidas. Aman un pensamiento hecho secreto.

Ya ha llegado a otro espacio del río donde se aprecia bonanza y riqueza. Lugares donde otros han cambiado sus hábitos y tienen lujo para sus almuerzos: Puerto Madero, antes tan popular y descuidado, amado de la gente del futbol, es ahora un lujoso paseo desde donde ve también la dársena quieta con sus oscuras goletas. Pero él no entra en los restaurantes de aquí, que ofrecen el vino de la mejor cosecha, el bife tierno. Aquí no puede llamar al mesero y cantarle una copla popular: “San Juan va borracho; yo también. Así como vamos, vamos bien…” Lo hizo muchas veces en la ciudad vieja, en un cafetín de plato fijo, y el mesero reía y copiaba la copla en sus notas de pedido.

Y no le queda otro destino que volver a La Costanera en la hora de la tarde de verano. El río permanece inmóvil e indiferente, y, como cada día, resuelve sentarse en un banco preguntándose por qué Buenos Aires le daba ganas de llorar.

NOTA DE LA EDITORA:
Recibimos esta evocación de Buenos Aires del escritor venezolano Alejo Urdaneta, como un muy especial regalo de Navidad. Gracias

Atavío de la Tierra

2009-12-11T06:13:00.000-08:00

Por Carmen Cristina Wolf

¿Es ciego el giro de la casa
tan solitaria y huérfana?

Será que se detiene algunos días
sin darnos cuenta
se acicala con campos de espigas
y brotan ellas solas
para traer consuelo a dolores antiguos

La mecedora de la abuela levita suavemente
la persiana se mueve

.-.-.-.- en clave morse
se balancea el móvil de corales

Millones de mensajes cruzan el corredor
sin saludar los retratos
provenientes de los siete confines
y el aire se recrea con murmullos
salidos de laptops relucientes

El caserón de todos, no sé por qué
sonríe
desde su pétrea hondura
tal vez le gusta cambiarse los vestidos
lavarse la cara de pisadas maléficas
o besarse ella misma las memorias

Ella será el descanso
cuando regrese al inicio

Cientos de pies dejan huella impaciente
en sus portales, entran y van saliendo
para dejarse caer un día u otro
en sus pechos de textura infinita

Acostumbro, algunos días soleados
acariciar sus prados y dejarme cobijar por la sombra
de sus interminables filas de palmeras azules

Una voz en Guadalajara

2009-12-02T14:47:00.000-08:00

Por Luis Beltrán Mago

Una voz en Guadalajara habló. Allí se aprestó el libro a conversar consigo. Leerse y escuchar lo que contiene. Abre sus páginas y a solas se solaza. En cada hoja se detiene lentamente. Averigua y conscientemente se alimenta de luces y de fe. Ya lo dijeron otros. Aquellos. Los demás amigos de la voz, del pensamiento. De la palabra fértil y humana. Siempre ante sí. Dialogando con ese Yo interno que hace crecer la sangre, comulgar a la luz y entretener el paso de la sombra entonando cantos a la vida para la convivencia con la fantasía. Dijeron que habría paz si no llegáramos a entrabar las lides del amor y permitíamos que las golondrinas pudieran viajar sin que un misil las persiguiera cortándoles el vuelo. Si el hombre dejara de matar y urgía –más allá de su piel y de su voz- el encuentro con la fe para que el alma se ungiera de votos y se bendijera en la oración. Ya lo dirán después los que vendrán, absortos en la contemplación, a deletrear sus versos dándoles cadencia a la ternura y a la voz que habla y que convida armonizando el ritmo a la palabra para la mejor expresión del pensamiento. Los que vendrán a sonreír sin llanto si es que el dolor prendiera en su fogata la tristeza. Porque para convencernos de que la vida es una y hay que cultivarla cada día matando la desesperanza, el odio, la incomprensión, será necesario que el hombre -como lo ha hecho Rafael Cadenas- se corresponda con la urgencia de satisfacerse espiritualmente desandando el camino de la antiluz. Amándose y amando.

Si lo dijeron los que se han poblado de vivencias para la convivencia espiritual y anímica, ahora lo dijo un venezolano de convicciones, con un sentido humano de lo que es. Un Poeta de palabra libre. Filósofo que se desvela por hacer la poesía para que el tiempo piense y el corazón proyecte la importancia de los afectos concibiendo la vida como un todo indescifrable, hermoso, lleno de contrariedades y abismales preocupaciones, pero digno de vivirse. Lo dijo un Poeta capaz de construirla para que la poesía viva y perviva. Para tallarla en madera, hierro, piedra y mármol. Sobre los muros. En las murallas, En el aire y en la luz. Fue en Méjico. En Guadalajara.

En una Feria transcontinental, donde el libro se abrió. Abrió sus páginas para que se leyera el nombre de la Paz con letras de personalidad. Allí, ante la inteligencia universal, Rafael Cadenas alumbró la palabra con la elocuencia de su sencillez, haciendo que se sintiera una voz en Guadalajara y se supiera que en Venezuela, donde se maltrata a quien disiente y al pensamiento que alerta, existe –para bien del país, de América, la democracia y la Poesía- un poeta llamado Rafael Cadenas.

Luis Beltrán Mago, poeta venezolano con una extensa obra publicada. Sobre su poesía han escrito autores como Alejo Urdaneta, Helena Sassone, José Tomás Angola, Lidia Salas, Carlos Gottberg y Miguel García Mackle. En el 2009 el Círculo de Escritores de Venezuela ha editado una selección de su obra, Antología Esencial, con prólogo de Manuel Bermúdez y selección de José Tomás Angola.

Las complejidades del amor y de lo femenino en las narraciones de Ana María Velásquez

2009-11-19T04:22:00.000-08:00

TALLER CRITICO
Por: R.J.LOVERA DE-SOLA.
Creí que me besarías antes de partir.(Caracas: Areté Editora, 2009. 68 p.) es el segundo libro de narraciones cortas de la caraqueña Ana María Velázquez.

Creemos que se trata de un libro precioso, uno más de esos que conciben nuestras mujeres, esas que escriben, como se dice en algún pasaje de esta obra, con la piel, quienes meditan con el cuerpo, desde la epidermis.

Limpia y bella escritura, que muchas veces roza lo poético, es la que encontramos en este libro; segura y firme, clara en lo que desea contar y como lo va a hacer. Para hacerlo vacías sus invenciones de diversas formas: en el relato o las formas de la literatura autobiográfica como puede ser el diario.

Leyéndolo nos damos cuenta que es la palabra lo único que tiene el escritor, como en el cuento que da título al conjunto(p.11), “hasta que medité con todo mi cuerpo, desde la punta de los pies hasta la cabeza. Entonces escribí más que nunca. Escribí un libro entero con todo aquel dolor, toda aquella ausencia de ti que me ahogaba, que me dejaba muy cansada en las noches de tanto llorar”(p.12). Incluso está línea: “Vengo a este refugio de luces y de voces a descansar de las emociones”(p.57):¿no es eso escribir?

La esencia de estos textos quizá se expliquen cuando leemos que quien los concibe lo hace desde “mi alma ligera y cambiante”(p.27), se lee en “Macanao”, que es sin duda la joya del conjunto de breves ficciones que comentamos.
Tan existencial es en el merodeo de lo humano que en “Vitrales en concierto” se lee “Todo se complica cuando se asume la verdad de las cosas”(p.55). Esto nos explica las complejidades hasta donde llega la autora en sus exploraciones de lo humano. Y lo hace escribiendo, “La pluma, me ha dicho, es su alma que quiere volar”(p.9).

Antes de llegar a la esencia de este libro nos gustaría indicar que varios suceden en Caracas. Así la autora nos muestra las dos caras de nuestra urbe: la plácida que está en “Hembras de la tierra sagrada”, la urbe con su “Inmensa, quieta, misteriosa montaña”(p.13). O la terrible, la de la Caracas que no queremos, la podemos ver en el cuento “Desde Quinta Crespo hasta el final de la Baralt”, es metrópolis “fisgona, escupitona,, vomitona…desaseada, balurda y balandra”(p.46).

El amor, especialmente las siempre complejas relaciones entre hombres y mujeres, es asunto central en este volumen. Sobre todo en el cuento “Macanao” en donde una mujer evoca su amor por aquel amado hombre tragado por la resaca de las olas.
En la narración “La casa de la locura” se hace presenta la paradoja entre compartir la vida con un hombre, la cama y la mesa como se lee allí, o “quedarte sola e intentar convencer a los demás de que puedes vivir sin hombre, dueña de tu destino”(p.43).

Y se lee: “El amor excesivo y desmesurado deja de ser amor muy pronto para convertirse en castigo”(p.44), lo que nos lleva, además de la meditación que impone, como vasos comunicantes hacia las tres vidas reales, de tres mujeres de excepción que evoca también en el laberinto de su imaginar. En verdad la vida debe ser un equilibrio, lo desequilibrado enferma. Con quien se ama siempre hay que tener paciencia, y también constancia. Sea la mujer amada o los hijos, hay que dejar que el tiempo pase, Cronos es siempre sabio, darles a nuestros amados(y amadas) tiempo y espacio, saber esperar, ver desarrollarse la siempre sabia vida. Porque de la exageración amorosa solo hallamos lo que aquí leemos, “Aprendí a tragarme las lágrimas y así me fui inundando de llanto contenido”(p.45). El llanto no llorado enferma.

Hemos señalado que en este tomo de Ana María Velázquez las mujeres, y la mirada femenina, es sustancial. Por ello en un palique entre nos féminas, en el primer cuento, hallamos: “Le he prestado mi oído y me ha contado su dolor”(p.9). Y al escucharlas la mujer personaje, siempre distinta a la dama autora, piensa: “Hay otras historias, otras mujeres, pero yo me pregunto si en el fondo esta historia no es la misma de todas, aferradas siempre a una idea(la pluma) pero deseando mantenernos muy pegadas a la tierra(lo material) para no tropezar y caer. No sé, no quiero creer que ése sea un esquema común, pero algo dentro de mi me dice que es así”(p.10). Ese mundo de mujeres es muy bien rememorado en “La casa de la locura”.
Esenciales en las reflexiones que nos ofrece la autora son lo que denominamos las miradas biográficas que aquí hallamos. Observaciones a tres mujeres reales de nuestros días, vista aquí con los ojos de imaginación. Son las tres mujeres peculiares, en su vivir, y en el hecho de tener parejas, mirarlas, como se hace aquí, es una manera de penetrar en el ser femenino. Y en el masculino, porque siempre hemos pensado que todo lo que plantean las mujeres tiene que ver con los hombres, ellas han enriquecido la virilidad, el ser masculino de nuestro tiempo.
Estos seres complejísimos son la poeta norteamericana Silvia Plath(1932-1963), la pintora mexicana Frida Kahlo(1907-1954) y la escultora francesa Camille Claudel(1864-1943), cuya vida, cuyas creaciones, cuya tragedia vital está apenas comenzando a conocerse.

Que Ana María Velázquez mire a estas tres fundamentales mujeres de nuestro tiempo y las trate de interpretar como una mirada femenina, la cual utiliza la imaginación para comprenderlas, tiene pleno sentido.Hay que decir, antes de leer los relatos de Ana María Velázquez, de cada una de ellas fueron seres singulares, mucho.

Silvia Plath, uno de los grandes aedas del siglo XX, sobre todo por sus poemarios El Coloso(1960) y Ariel(1965) y por su novela autobiográfica La campa de cristal(1963), publicada originalmente bajo seudónimo, una de las grandes novelas de adolescencia del último medio siglo. Por cierto su primera traducción castellana apareció en Caracas, en la editorial Tiempo Nuevo(1973). Novela trágica como el vivir de su autora. Con el tiempo Silvia que no resistió las infidelidades de su esposo, el también notable poeta Ted Hughes(1930-1998) y se suicidó. También murió por voluntad propia la segunda esposa de aquel Asia Wevill(1927-1969), por quien dejó a Silvia. ¡Asia antes de matarse asesinó a la hija que tuvo con Ted¡. Personaje destructivo fue este escritor, incineró también, sin tener permiso para hacerlo las últimas entradas del diario de Silvia en donde estaban contados sus últimos angustiosos días, escritos en los cuales sin duda aparecía Hughes, el causante de aquella tragedia, más de una vez. Ni siquiera pensó que sus dos hijos con Silvia tenían derecho a leer aquellas hojas. Uno no puede dejarse de preguntar que tanto de diabólico y destructivo hubo en Ted. A él, lo que es un contrasentido, la poesía no lo condujo a la belleza, a la armonía y al bien. Grande paradoja porque la poesía es oración y creencia, casi una religión.

Hace poco esta gran creadora fue evocada en el film “Sylvia”(2003) de Christine Jeff, en donde la encarnó la magnífica Gwymeth Paltrow, con la cual se revivió su drama humano. También Woody Allen le rindió honor en una de sus más singulares películas(Interiores,1978) a través del persona Renata, la poeta, papel hecho por Diane Keaton.

Frida Kahlo siempre suscitará mil interrogantes, fuera de su importante obra plástica, por su honda, inestable y especial relación amorosa como el también pintor Diego Rivera(1886-1957). Los mexicanos Paúl Leduc y Salma Hayek le han dedicado muy personales visiones cinematográficas. Fundamental es la biografía que sobre ella escribió Hayden Herrera, la recopilación de sus cartas hecha por Raquel Tibol y el propio Diario de Frida(México: Debate, 2002. 226 p.). Se cierra, en su última anotación, con estas espléndidas palabras:”espero que la partida sea alegre”.
La tercera es Camille Claudel, una escultora mayor que aun comenzamos a descubrir, el ordenamiento de cuya obra todavía está en proceso. Fue un ser singular, trabajó en el taller de Auguste Rodin(1840-1917) por lo que algunas obras suyas han sido atribuidas a él(¿no será de Camille “Los amantes”?). Este la persiguió, la maltrató, con la idea, sin duda misógina, de que no podían haber dos Rodin, lo cual nos explica la grandeza de Camille. Con Rodin tuvo un amor perturbador, relación que la destruyó. Tan enamorada estuvo del autor de “El pensador” y “Las puertas del infierno” que no pudo separarse de él y sin siquiera comprender el amor más sano que le ofrecía el gran compositor Claude Debussy(1862-1918), que podría haber sido su salvación. Hemos podido comenzar a entender el drama vital de Camille Claudel a través de algunos libros, todavía incipientes, como el de Anne Delbee(1989). Más certera es la película de Bruno Nuytten sobre ella(1988) protagonizada por la gran Isabelle Adjani.

Estas son las criaturas que a través de las páginas de Creí que me besarías antes de partir podemos mirar, siempre desde ojos femeninos llenos de preguntas.
De Silvia Plath leemos: “se casó, mal casada, con el poeta Ted Hughes”(p.17), “vivía desgarrada”(p.17) entre el escribir y el vivir, sintiendo sin duda lo que leemos aquí: “a todas las que escogimos este camino de la escritura…la vida nos golpea con el puño cerrado”(p.17).

Frida y Diego “Al parecer se amaron con locura y, con esos amores tan arraigados en el inconsciente, también fueron muy infelices. Sin embargo, siguieron siempre juntos, ¿por qué? ¿Qué misterio los mantuvo unidos a pesar de tanto dolor, a pesar de que se separaron y vinieron cada uno por su parte otras historias amorosas con otras personas?”(p.38-39). Fueron dos personas, seres humanos de excepción a los cuales la regla con la que se mide a todo el mundo no puede serles aplicada, ellos eran distintos, “incapaces de proseguir en la vida un camino ordinario”(p.40). Con sus vidas abrieron nuevos senderos. Y no sólo en el arte porque también alumbraron el vivir.

Fueron, leemos en esta obra, “Paradoja infinita Frida Kahlo y Diego Rivera, historia de amor que hechiza”(p.42).
Esta narración-verdad, “En la biografía de Frida Kahlo” no presenta a una narradora profunda, consciente de los más hondos laberintos de la feminidad, en las profunda comprensión de lo humano a lo cual se no se puede acceder sino no se está claro de de sí mismo, porque en dentro de nosotros donde está todo, donde se suscitan las grandes interrogantes que aquí se plantean porque es desde ella, desde una persona que sabe lo difícil, sino imposible, que es sustraerse ante la historia de Frida y Diego, “porque todos hemos estado allí, en ese punto de incomprensión rotunda y, a la vez, de gran necesidad del otro que complementa, protege y atrae”(p.42).
Frida y Diego, es imposible no sentirlos cerca por las peculiaridades de su vivir, en sus búsquedas desesperadas de una manera de ser. Por ello las “casas gemelas” que ambos tenían en San Ángel, en Ciudad de México, ante cuyas puertas estuvimos un día del setenta y cinco, siempre nos ha parecido la gran explicación y la inmejorable metáfora de su vivir: juntos, uno frente al otro, pero a la vez autónomos. Si Frida no quería ver a Diego cuando él venía le bastaba dejar cerrada la puerta, él lo respetaba. Es el gran dilema de las parejas: amar a quien queremos, preservar nuestra autonomía y libertad. Tan parecida a lo que hace Woody Allan, otro gran vividor y sentidor del arte de la parejas. Woody vive solo, cerca, enfrente a veces, como lo hacía de Mia Farrow, y cada día según la bandera que ella viera en su ventana ella sabía si aquella jornada el estaba escribiendo y deseaba estar solo.
Tan singulares fueron Frida y Diego que con son unas de las tres grandes parejas de nuestro tiempo. Las otras dos fueron: Simone de Beauvoir(1908-1986) y Jean Paul Sartre(1905-1980) y Liliam Helmann(1905-1984) y Dashiel Hammet(1894-1961), por cierto los cuatro últimos nunca se casaron. Frida y Diego lo hicieron varias veces: se casaron, se divorciaron y se volvieron a casar con ellos mismos. Así. El amor es un asunto tan complejo como lo narra Sandor Marai(1900-1989) en su inigualable novela Divorcio en Buda(1935).

Sobre Camilla Claudel siempre existirá la pregunta de ¿por qué la encerraron en un manicomio?, ¿si era verdad que la madre la odiaba de la misma manera que su papá, su gran estímulo, la amaba?¿por qué tras mejorarse la dejaron allí consumiéndose, no escuchado su pedido de retornar a su vida y a su arte, que fue la razón de su existir?

En verdad, aquí leemos, “La relación con Rodin fue tan tormentosa que acabó destruyéndola…Perdió la belleza primero, luego al hijo que iban a tener, puesto que él la convenció de abortar y, finalmente, la razón”(p.67). ¿Estuvo demente o solo en medio de un gran delirio alcohólico?. El beber de algunas artistas es que “para calmar el ansia”(p.40) como se lee en otro pasaje de este libro, seguramente, emborrachan sus exquisitas sensibilidades para poder pasar los días, como lo hemos visto más de una vez.

Es posible con relación a Camille Claudel que el diagnóstico médico haya podido ser cierto pero, sin embargo, dejaba de lado la inmensa complejidad de aquella alma genial, lo que la hacía única, como en general lo son los grandes artistas y los más notables escritores, siempre egregios, siempre distintos, diversos a la normalidad de los demás, mayoría casi siempre mediocre que nunca se alzan más allá de lo diario. Por ello los mejores hombres y mujeres que existen en el mundo son los escritores y los artistas.

La de Camille, leemos aquí, es la historia de una “mujer enamorada pero profundamente perturbada por un mal amor, venenoso, cruel”(p.68)

Noviembre 11,2009

Roberto Lovera De Sola: Crítico literario venezolano con una amplia obra reconocida y publicada. Entre sus obras hay que mencionar más de 1000 artículos de crítica literaria o histórica, aparecidos a partir de 1964, cuando su autor tenía diez y ocho años, el primero de los cuales se insertó en el diario La religión de Caracas (enero 26, 1964). Entre sus libros hay que citar Bibliografía de la crítica literaria venezolana (1982), Guía de la historia de Venezuela (1982), Bolívar y la opinión pública (1983), Eróticos, erotómanos y otras especies (1983), Hondas reflexiones para largas esperanzas (1984), El gran majadero (1984), Interrogando al gran ausente (1987), Con el lápiz en la mano (1990), Tomás Polanco y sus libros (1991), Lo masculino y lo femenino entrelazado (1992), Curazao, escala en el primer destierro del Libertador (1992), El ojo que lee (1992), Crónica de los Presidentes de Venezuela (1993), El oficio de ser venezolano (1994), La larga casa del afecto (1994), La obra histórica y literaria de Guillermo Morón (1994) y Los pasos vitales de Andrés Eloy Blanco (1966). Es autor también de numerosos prólogos a obras literarias e históricas y de trabajos aparecidos en diversas obras colectivas. Su obra está registrada en varias antologías y en diversas bibliografías.

Diálogos de mala vecindad

2009-11-02T13:00:00.000-08:00

(Aporía de la justicia)

Por Atanasio Alegre

Los dos estaban a la puerta del granero, uno esperando a que el otro se durmiera para poder entrar sin ser visto y aquél, con ganas de que el acechante se decidiera a traspasar el umbral.
A uno le interesaba lo que había dentro del granero; al otro, sustancialmente, porque esa era la base de su alimentación y a eso iba, porque corrían malos tiempos. Así las cosas, sucedió lo que tenía que suceder, el viejo gato, que preservaba de ratas y otras alimañas al granero, haciéndose, de momento, el dormido, vio que un gallo muy pausadamente, deslizándose como quien lo hace en dos acometidas, acababa de hacer su entrada en el granero. El gato, acto seguido, se desperezó, entró y cerró la puerta por dentro.
¿Por que me cierras la puerta, si lo que tienes que hacer es simplemente espantarme y ocuparte de las ratas y ratones que constituyen la amenaza habitual?
Lo que pasa es que para mí los tiempos son difíciles y el hambre no me da tregua.
¿No vas a querer decir con eso que vas a saciarla conmigo? Para eso he cerrado la puerta para que me sirvas de alimento sin dejar constancia de haber sido yo el culpable de tu desaparición.
Las cosas no pueden ser así, hay que hablar.
Pues tomaré yo primero la palabra. Y debo decirte, señor gallo, que tú causas gran daño e inquietud a la humanidad no dejando dormir a nadie, sino despertando en lo mejor del sueño a unos y a otros con tan negro cantar…
A esto replicó el gallo: eso, lo hago yo en servicio de la república y por el bien de todos y merecería que me dieran un salario pues despierto a menestrales, labradores, jornaleros y hasta a las gentes de armas para que toquen sus dianas y acudan a sus trabajos y labores; despierto también a los hombres ricos para que, si hay ladrones, los sientan y a las señoras para que las criadas no les hagan algún mal recado.
Pero al gato era duro de convencer.
Pues te digo que aunque todo lo que dices te sirviera de disculpa y justificación, mereces la muerte por vivir abarraganado, tienes un mundo de amigas y muchas de ellas son tus parientes, con lo cual das mal ejemplo y mucho escándalo al mundo y no está bien que viva bien quien es tan malo.
Pero eso- dijo el gallo- lo hago por acrecentar nuestra raza y de ahí se siguen al mundo innumerables bienes para fiestas y regocijos en la ciudad o en el campo. Para los enfermos para los débiles y flacos y aun para lo regalones y amigos de placeres, proveo de gallinas, pollos, huevos…
Labia de bachiller y un buen dominio de las formas de argumentación que sirven como contrapunto a mis razones no te faltan, pero yo he leído en mis libros que si tienes en la mano un pájaro, no lo sueltes, porque ya no volverás a disponer nuevamente de él cuando quieras, de modo que por mucha razón y justicia que tengais, he determinado regalarme con vos y darme un hartazgo, esa es la razón que me impulsó a cerrar la puerta con llave que es la que va a prevalecer por encima de tus disculpas y de tus sofisticados razonamientos..
Hoy día no todos los anímales hablan y menos de corrido, tal como lo hacen estos dos ejemplares a los que se trae aquí a colación, porque hubo una época en que eran ellos, los animales, quienes evitaban a los humanos muchas horas de prédica y de inútiles razonamientos. Eso sucedía por los tiempos en que los humanistas desbordaron el mundo conocido y para salir del oscurantismo de los tiempos medievales, tiempos a los que les empujó aquel movimiento conocido como el Renacimiento- de implantación tan peligrosa, por cierto, en la España de los Austria- se ponía en boca de animales lo que querían decir los humanos. Esa fue una época, al menos en el idioma castellano, (y aquí está bien traída la palabra) en que desde estos diálogos entre animales se dio el salto a la novela. Eso es lo que dice, al menos, Don Marcelino Menédez y Pelayo- de cuyo nacimiento se conmemora en estos días ciento cincuenta años-. Pues bien, este polígrafo simpar en las letras españolas, asegura que los orígenes de la novela en castellano hay que buscarlos en el FABVLARIO de Sebastián Mey, editado en la Imprenta de Felipe Mey en Valencia, España, el veinte de enero de 1613.
Sebastián Mey mismo se encarga de hacer saber que “el fabvlario contiene fábvlas y cuentos diferentes, algunos nuevos y parte sacados de otros autores”.
El episodio de la muerte del gallo en garras del gato viene de ahí, con lo que se demuestra la continuidad en el tiempo de ardides y artimañas, presentes desde tan antiguo en la política y en otras artes en las que no se respeta ni la convivencia humana ni la vida misma con los que deberíamos estar llamados a convivir. Por este camino, en el terreno de la regulación de las costumbres y de las relaciones humanas cada vez va habiendo menos secretos. Tal vez el secreto del secreto no es otro que la inexistencia del secreto, eso es, al menos, lo que, cinco siglos después de Don Sebastián Mey, afirma hoy el filósofo francés Monsieur Jean Baudrillard.-

Atanasio Alegre: Psicólogo clínico, novelista, investigador, Individuo de Número de la Academia Venezolana de la Lengua. Vicepresidente del Círculo de Escritores de Venezuela y Director de la Revista ConcienciActiva 21.

LA OBRA LITERARIA DE ALEJO URDANETA

2009-10-31T06:21:00.000-07:00

por Eduardo CASANOVA

Alejo Urdaneta (Caracas 1944) irrumpió con mucha discreción en el mundo literario venezolano en 1979 con “Ezequiel y Otras Visiones” (Cuadernos de la Asociación de Escritores de Venezuela, Nº 147. Caracas). Allí se hizo evidente que es uno de los más finos cultores del cuento en nuestro país, que se caracteriza por tener excelentes cuentistas. Esa impresión se ratificaría con “Juegos, Sombras y Transparencias” (Vinicio Romero Editor, Caracas, 1982), y se acentuaría con “La Falsa Ciudadela del Recuerdo” (Editorial Actum, Caracas, 1993) y “Frutos del Mismo Tiempo” (libro editado con el patrocinio de la Sociedad de Amigos del Círculo de Escritores de Venezuela y la sociedad Datos Information Resources, con el sello GILAVIL, Caracas), obras todas que aseguraron el nombre de Alejo Urdaneta entre los primeros de la cuentística de esta parte del mundo.

En otros campos publicó obras de carácter jurídico (“Estudios sobre el Derecho de Autor”, Ediciones GILUZ, 1.998, “Estudios acerca de derecho de Familia: Divorcio y separación de cuerpos”, publicado por “Venezuela Positiva”, 2000, “La valoración jurídica como elemento fundamental de la creación del Derecho. Ensayo filosófico-jurídico”, Universidad Católica Andrés Bello, 2004), y más recientemente empezó a incursionar en el ensayo propiamente dicho, en donde se ha revelado como uno de los más finos y notables ensayistas de la actualidad. En ese campo se inició como con alguna timidez (“THOMAS MANN: Los Recuerdos primordiales, (Anotaciones a la situación ética del artista). En: “Conciencia Activa”, junio de 2005; “¿Es poesía el cuento?”, publicado en la Revista Banco Central de Venezuela, CULTURAL, número 18, 2006), para desembocar en dos obras fundamentales, que colocan su nombre también entre los mejores ensayistas del país: “El arte: Una apreciación personal” (Editorial Actum. Caracas, 2006) y, sobre todo, “FORMA E INTENCIONES DEL LENGUAJE” (Ediciones Giluz. Julio de 2009), una obra que, a pesar de su relativa brevedad (89 páginas) se sitúa, por su densidad y profundidad, entre los ensayos más importantes que se han publicado en Venezuela.

Y aunque no ha publicado hasta ahora ningún tomo de poesía, a través de su obra dispersa ha marcado su presencia también notable entre los poetas venezolanos. Pocos venezolanos se han dedicado con tanta pasión al cultivo de las letras, y a pocos se les debe aún un verdadero reconocimiento público como a Alejo Urdaneta. Es ese uno de los muchos pasivos de la crítica literaria venezolana actual, que ojalá sea honrado pronto por quienes pueden y deben hacerlo.

Fuente: www.literanova.eduardocasanova.com

Rafael Castillo Zapata: Estancias, Colección Papiros

2009-09-11T16:47:00.000-07:00

Por Carmen Cristina Wolf

La Colección Papiros de la Editorial Equinoccio envía al Círculo de Escritores de Venezuela el libro Estancias, del autor venezolano Rafael Castillo Zapata. Entrar en los aposentos de esta casa que es el poemario de Castillo Zapata, trae a mi memoria la emocionada sensación que sentí cuando me introduje por primera vez en el espejo de Alicia en el País de las Maravillas. Sin tener absolutamente nada que ver el relato de Carroll con la poética decantada y serena de RCZ, el libro Estancias produce un deleite y un encantamiento similar, porque la belleza duele y a veces causa escalofríos. No puedo en este instante escribir el ensayo que va tomando forma en mi mente sobre este libro, porque voy saliendo de viaje a un lugar remoto.

Mas he de llevar este poemario en mi equipaje, porque no se puede dejar un libro así, tirado en una mesa, esperando mis ojos.

Y no puedo dejar de compartir el poema 5 de Parte de piedra, para que el rompeolas en esta playa de palabras lo arrope por las tardes:

5
Trabajado por las aguas en las orillas, lavado, pulido
por los vientos que lo llevarían y traerían por las estepas
del lenguaje, arrollado, arrastrando polvo, el poema
viviría en la en la plenitud de la libertad de no deberle nada a
quien lo toma y lo arroja lejos de sí o lo conserva como
un rugoso tesoro en la mano.
Rafael Castillo Zapata (p. 13 del libro estancias, E. Equinoccio 2009)

Guardo la piedra como el poema, en la mano y en el espíritu. Mi gratitud
a la Providence por traer a mis arenas esta poesía de
madera, piedra, fuego y mar.

Caracas, 11 de septiembre de 2009

Carmen Cristina Wolf y su obra Escribe un poema para mí

2009-09-10T09:11:00.000-07:00

Por Helena Sassone

Desde su primer libro Fragmentos de Isla, publicado en 1988, la obra poética de Carmen Cristina Wolf ha ido transformándose sin perder su esencia, su carácter antinómico. De una parte el individualismo raigal que alienta en su decir; de otra, la resonancia del otro en su poesía dialogada. Estas características son predominantes, diría que definitivas y están acertadamente señaladas en el prólogo de la obra, escrito por Eduardo Casanova Sucre.
La lectura de Escribe un poema para mí, ya desde su título, puede causar asombro y emoción. Encierra una posición solipsista, a la vez que le plantea al poeta la necesidad de convertirse en demiurgo. La autora le ordena al poeta: “Escribe un hombre para mí / escribe un niño para mí / escríbeme un país”. Por una parte vemos que el poeta, el creador artístico en general, piensa que “el mundo no sería sino lo que está dado en la conciencia de su propio yo”; por otra, la forma de la poesía que es la creación, transformaría ese mundo,. Fray Luis de León ve la forma como “principio y causa de lo creado”.
La poesía como concepto es una idealización del ser. Podemos asumir la poesía como inmaterialidad y la palabra como cuerpo de la poesía. En la segunda parte del libro titulada “Somos la vida que comienza siempre”, leemos: “Tú, dueño de la fuente que custodia los versos nunca escritos: / te nombro capitán de mi nave. / Señala nuevas rutas para mí.”
Acaso estos lexemas: “versos nunca escritos”, encierren esa inmaterialidad a que hacemos referencia. La autora experimenta la poesía como valor de la conciencia, el mundo sentido, captado, sin haber sido expresado aún. La poesía nacerá cuando este mundo se nombre, cuando el capitán de esa nave señale las nuevas rutas, encuentre las palabras transformadoras.
La tercera parte titulada “Las huellas del éxtasis” ratifica la dicotomía idealista, implícita en la definición de poesía. Como inmaterialidad que ha de vestirse con palabras. Al escribir “la felicidad estaba allí / era un aroma mínimo / en el corazón de las cosas”, Carmen Cristina Wolf no hace sino reafirmarse en esa inmaterialidad, es decir, carencia de objetivo físico. Las cosas son pasivas, es el poeta quien debe despertar su docilidad. En otro poema nos revela: “Todo cuanto miré se convirtió en memoria”, entendida como sustrato psicológico cultural con el cual captar el mundo, asumirlo y proyectarlo: “Subí a lo alto de las catedrales / visité templos centenarios”, afirma; todo se ha convertido en reminiscencia ¿habrá algo más inmaterial? Sí, la poesía, cuya perenne esencia es la nostalgia del recordar.
así a la parte cuarta del poemario, que lleva por título nada menos que “Casa ardiente de palabras”. Del éxtasis, lo inmaterial pasa a la concreción, que no puede existir sin palabras. “Mi hogar es el poema / casa ardiente de palabras / aún sin pronunciar.” Es este un terceto revelador, ya que en él, aun sin proponérselo, Wolf esboza una tesis sobre poesía, que asume como algo propio, encerrado o. más bien, sólo abierto para los invitados, los que están en el secreto de palabras no dichas. La autora quiere sustentar así lo inmaterial de la poesía, su preexistencia a las palabras y la necesidad de ellas para manifestarse, aunque últimamente los poetas hayamos abusado a veces de las palabras: “Hoy construimos ciudades de palabras”, expresa Carmen Cristina Wolf. Mas no debemos olvidar que la poesía es un arte, precisamente el del verbo que nos reúne en su armonía y, como lo desea Wolf,
“Amándose, con la voluptuosidad de la sintaxis
Se abrazarán sonidos y sentidos.
Somos cuerpo y sangre en palabras.”
Veríamos en este final la transmutación de la dicotomía idealista. Es necesario acabar con la oposición forma/contenido. En arte una es del otro. En la obra Escribe un poema para mí, existe además una reflexión sobre el hecho poético, que siempre será canto con conocimiento. ¡Escribe, escribe!, urge Wolf. Son las palabras de la poesía, una mezcla de magia, intuición y lenguaje.

* Helena Sassone es poeta, novelista y dramaturga. Nacida en Madrid, reside en Caracas. Sus poemas han sido traducidos al francés y figuran en exigentes Antologías nacionales e internacionales.

Taller II Aprende a escribir un cuento en Octubre 2009

2009-09-05T04:18:00.000-07:00

La Fundación Aprende a Escribir un Cuento (FAEC)

y el Círculo de Escritores de Venezuela

Invitan al Taller II

APRENDE A ESCRIBIR UN CUENTO

Objetivo: Aprender a escribir un cuento en sólo cuatro sesiones

Instructor: Heberto Gamero Contín

(Premio de cuentos El Nacional 2008)

Fechas:

Sábado 10 de octubre 2009

Sábado 17 de octubre 2009

Jueves 29 de octubre 2009

Sábado 31 de octubre 2009

Horario: 9 a 11 AM.

Costo: Doscientos bolívares (Bs 200,oo)

Se otorgará Certificado de asistencia

Lugar: Sala Cabrujas, Centro de Cultura Chacao, 3ª Av, Los Palos Grandes

Con Av. Francisco de Miranda. Centro Comercial El Parque

Nível C-1 (Al lado de Parque Cristal)

Inscripciones: Sra. Iris Verastegui. Tel. 0414 246 77 53. E-mail: hgtallerdecuento@gmail.com

Cupo limitado

Isabel González escribe sobre "Los surcos del recuerdo"

2009-08-31T06:20:00.000-07:00

Palabras de presentación del libro “Entre los surcos del recuerdo” de María Gabriela Madrid.
Por Isabel Cecilia GonzálezHace unos días murió Michael Jackson, la noticia fue de inmediato el centro de atención, lo que molestó a nuestro presidente porque para él era más importante que se le hiciera cobertura a la situación en Honduras. Eso me puso a pensar, ¿Cuál noticia era más importante? Ambas lo son.

La libertad de expresión, no significa la imposición de las opiniones, sino el derecho de cada quien de tener una opinión y poderla transmitir, pero más importante es aún que cada uno de nosotros pueda elegir informarse oportunamente sobre lo que le interesa. Ser capaz de cambiar de canal, de emisora, de comprar este o aquel periódico, inclusive de desconectarse . Nadie debe decirnos que es lo más importante, menos imponernos una visión única, porque ese es el germen del fanatismo, la puerta a la oscuridad.

María Gabriela es una escritora que ha desarrollado esta temática en muchos de sus cuentos, un gran ejemplo de ello es “Blanco y Negro” en el cual el pueblo se divide en dos bandos, “los seguidores del Oráculo de Ifa y los de la religión católica”. Vemos allí nos cubrimos de miedo y es ese miedo el que nos conduce a la destrucción del otro, a su aniquilamiento y al nuestro. Así sucede también en la isla las tres serpientes, hacia donde huye la protagonista tratando de salvarse del fanatismo, para descubrir que el fanatismo vive en ella, que no sólo es víctima de él sino que lo acepta, lo comparte, lo multiplica, le da vida nueva.

Últimamente actuamos como si le tuviéramos miedo a la pluralidad del pensamiento y nos aferramos a los espacios conocidos, funcionen o no. Pretendemos vivir en las grandes ciudades sumergidos en pequeños espacios, detrás de nuestros muros y barreras. Así sucede en los relatos de María Gabriela en los cuales sus personajes deambulan por un pueblo, ese pequeño de infierno grande, ese que llevamos dentro desde que nacemos, no importa que se viva en Nueva York, ni en Raleigh, ni en Paris. Uno se lleva a todas partes arrastrando consigo a su familia, a sus tradiciones, a sus creencias. Uno se lleva en los prejuicios. Uno no cambia, siempre es el mismo, aquel que se nos enseña, el que aprendemos a ser.

La mayoría de los personajes de María Gabriela representa a seres fracasados que alguna vez intentaron ser diferentes. Personajes que alguna vez se propusieron no repetirse, pero que no tuvieron la fuerza ni la valentía para cambiar. Y es que el cambio requiere de una auténtica voluntad, de un verdadero deseo y esfuerzo.

María Gabriela se propone demostrarnos como nuestra sociedad se ha ido quedando vacía, como la pareja se desvanece en el matrimonio, cuando dos personas están unidas por la única razón de no tener a nadie más. La autora nos cuestiona, nos pregunta tácitamente si somos como ellos, si amamos a pedazos, si abandonamos, si tenemos hijos para cumplir, si lo que nos importa es la apariencia, la imagen de la pareja feliz, la imagen de la madre perfecta, la imagen de la mujer siglo XXI, esa que sólo busca figurar.

“¿Entonces, qué pasó con el enriquecimiento del intelecto que tanto se proclamaba?¿ Con la búsqueda de una identidad propia? “

Pasó, María Gabriela, pasó que sin darnos cuenta nos detuvimos y dejamos de buscar, eso es lo que nos quieres transmitir. Tu mensaje es directo y efectivo, no queremos aceptarlo pero hemos fracasado como sociedad. El siglo XXI para aquellos que lo esperamos fue un sueño de progreso que no logramos atrapar. Los hippies abandonaron las calles y se mudaron a Wall Street, las feministas se buscaron un esposo y se dedicaron a ser la misma madre que criticaban, los ecologistas firmaron acuerdos en millones de papeles, los políticos se repartieron los estados mientras los ciudadanos estaban más interesados por salir a comprar. Regresamos a la guerra, regresamos al dolor, regresamos a la soledad, regresamos a lo que reconocemos como equivocado pero que no es tan conocido y familiar que nos parece la única manera de vivir .

Tus cuentos nos recuerdan en cada imagen y en cada historia que nos volvimos esos que no queríamos ser, pero también nos invitan a meditar al respecto, a vernos en el espejo, a darnos cuenta de que todavía no es tarde. Nunca es tarde para hacer lo correcto, nunca es tarde para ser otros, nunca es tarde para el amor, pero debemos actuar, debemos cambiar, debemos atrevernos a vivir.

Isabel Cecilia González Molina
Escritora.

*Isabel González es venezolana, novelista, poeta y ensayista. Miembro de la Junta Directiva del Círculo de Escritores de Venezuela.

Foto: Amelvi Barrera

José Saramago y los "Poemas incinerados"

2009-08-30T17:46:00.001-07:00

Leamos las palabras escritas por el escritor José Saranago, recogidas en la Contraportada del nuevo poemario Poemas incinerados, del joven autor Alexander Ritter Alzamora, publicado recientemente por la Embajada de México y presentado en Caracas, en la residencia del Señor Embajador de la República de México.
Alexander tiene quince años de edad, es el escritor más joven del Círculo de Escritores de Venezuela y ha recibido importantes reconocimientos en Venezuela y en otros países. Es nieto de la ilustre escritora e investigadora Lupe Rumazo, que cuenta con una densa obra publicada que la ha hecho acreedora de numerosas distinciones.

la Fundación Arturo Uslar Pietri le impondrá el Botón de Honor el próximo jueves 3, a las 6:30 p.m. Allí Alexander dará un recital bilingue de su próximo quinto libro, poemario que lleva muy adelantado y que habla de una capacidad creativa realmente extraordinariabra

"O que importa na poesia de Alexander Ritter não são tanto as ideias em si, porquanto a juventude do autor ainda carece do amadurecimento e da experiência necessários para um exercício autónomo do pensar, mas a sua extraordinária capacidade para plasmar em formas definidas o fluxo do sentir. A vida ensinará a Alexander Ritter que a imortalidade é uma ilusão e que crer nela é uma expressão de desespero. Então saberemos o que valerá realmente este poeta. Confiemos. Há motivo."

José Saramago

Lo que importa en la poesía de Alexander Ritter no es tanto las ideas en sí, porque la juventud del autor carece de la madurez y de la experiencia necesaria para un ejercicio autónomo del pensar, sino su extraordinaria capacidad para plasmar en formas definidas la corriente del sentir. La vida le enseñará a Alexander Ritter que la inmortalidad es una ilusión y que creer en ella es una expresión de desesperación. Entonces sabremos lo que valdrá realmente este poeta. Confiemos. Hay motivo.

José Saramago

POEMA de Les Pensées Incinérées/
Los Pensamientos Incinerados
Autor: Alexander Ritter Alzamora Rumazo

La Entidad Universal I
¿Qué quiere decir este título?

El todo, nuestro universo materialista,
aquel que es innato,
como aquel creado por nosotros…

Todas nuestras invenciones,
nuestras construcciones…
¡Todo retorna a esta única entidad!

Es la marioneta del todopoderoso,
no el ilusorio a quien se construyen iglesias o mezquitas,
No… ¡El azar!

Esta entidad
cae bajo su voluntad,
para hacer justicia
o por un simple capricho…

Aun la inocente arena
trabaja para este azar.

Pero felizmente,
estamos separados de esta entidad;
Nosotros, la especie cubierta de oro que nos diferencia,

Este oro es el mismo que me impulsa a escribir,
a mí y a tantos otros…
¡Este oro se llama arte…!
Y es esta cultura la que nos permite
separarnos de esta entidad
y enfrentar el fatal azar.

Illumination
À Simon Rodriguez

Qu’est-ce que l’intelligence?
Elle n’est pas un sentiment, une vertu, ni un défaut.
C’est une entité à part entière,
matérialisée dans les livres et les arts.
Plus on a de force sentimentale, plus cette divinité est assimilable…

Mais, qu’est-ce que la force sentimentale?
C’est ne plus rejeter, ignorer ou supporter les sentiments trop forts,
mais c’est les assimiler, les vaincre.
C’est transformer cette répulsion en amour;
C’est voir avec de nouveaux yeux,
en jetant ceux d’un corps matériel…
Il faut aimer les extrêmes, même ceux qui font mal.

Se rapprocher de cette façon de la divinité…
La communion avec l’entité intelligence alors se sentira,
l’âme prendra le dessus sur les sens
qui se perdront dans leur monde,
alors qu’elle, elle s’envolera!

A ce moment-là,
l’Homme arrêtera d’apprendre l’intelligence par les livres et les arts,
Car alors il vivra l’intelligence!

Carmen Cristina Wolf
Caracas, 30 de agosto de 2009
www.circulodescritoresvenezuela.org

http://literaturayvida.blogsome.com

Fundación "Aprende a escribir un cuento" creada en Venezuela

2009-08-19T05:40:00.000-07:00

Heberto Gamero, Presidente de la Fundación

El 18 de agosto se informó al público y a los medios de comunicación, la creación de la Fundación "Aprende a eecribir un cuento", cuya misión es apoyar y colaborar con el desarroll0 educativo y cultural de los venezolanos mediante la práctica de la literatura, a través de cursos y talleres dirigidos preferentemente a jóvenes de escasos recursos. Se realizará una labor divulgativa a través de la publicación de libros, revistas, folletos y catálogos. Cada dos años se editará una publicación con los mejores cuentos de los participantes de los talleres.

El evento de difusión fue realizado en la Sala Cabrujas del Centro de Cultura Chacao, y el invitado especial fue el intelectual Luis Alberto Machado, autor de La revolución de la inteligencia, quien fue Ministro para el Desarrollo de la Inteligencia en nuestro país, conocido y respetado en los países desarrollados por sus teorías sobre el aprendizaje. Destacó la importancia de esta iniciativa, que reafirma la idea de que se pueden aprender las técnicas para escribir y para desarrollar todos los oficios, siempre que exista la voluntad y la pasión para hacerlo.

La Fundación ha sido creada por el escritor y empresario Heberto Gamero Contín y su esposa Iros Verastegui y no tiene fines de lucro. Gamero ha publicado dos excelentes libros de relatos y ganó el Premio al Concurso de Cuentos de El Nacional en el año 2008. Se ha dedicado al estudio de los autores más reconocidos en el género de la cuentística e imparte talleres. La noche fue muy interesante porque Heberto estuvo rodeado de sus discípulos, algunos de los cuales leyeron sus relatos, fruto de los conocimientos recibidos en las clases.

Heberto Gamero es Miembro del Círculo de Ecritores de Venezuela y obtuvo la Medalla al Mérito Institucional por su apoyo invalorable a la organización. Carmen Cristina Wolf señaló que el Círculo de Escritores respaldará los proyectos de la Fundación, y enfatizó que esta iniciativa marca una nueva etapa en la programación de esta Asociación.

La visión de la Fundación Aprende a escribir un cuento es ser uno de los protagonistas en la construcción de un mejor país. Para información sobre talleres o eventos, comunicarse con Iris Verastegui, Vice-presidente de la Fundación, a través del 0414- 246 7753..

Para Aportes a la Fundación, comunicarse con María Calvelo, Tesorero, a través del 0414- 1111770

Las revistas Círculo de Escritores de Venezuela http://circulodescritoresvenezuela.org/ y http://literaturayvida.blogsome.com/ les mantendrán informados de las actividades.

C. C. Wolf

ARMANDO ROJAS GUARDIA: Íngrimo, a la intemperie

2009-08-16T16:30:00.000-07:00

Bendita sincronicidad que aligera el pensamiento hasta el punto de captar el alma del queridísimo amigo y maestro Armando Rojas Guardia. Una de las voces fundamentales de la literatura venezolana contemporánea, nació en Venezuela en 1949, y es autor de los títulos: Del mismo amor ardiendo (1979); Yo supe de la vieja herida ( 1985); Poemas de Quebrada de la Virgen (1985); Hacia la noche viva (1989); Antología poética (Monte Ávila Editores, 1993); La nada vigilante (1994); El principio de la incertidumbre(1996); Crónica de la memoria (1999) y El esplendor y la espera (2000);El dios de la intemperie (2003). En el año 2004 la editorial el otro@el mismo publica en Mérida una esmerada edición de su Obra Poética, con palabras liminares de Antonio López Ortega y un lúcido Prólogo de Rafael Castillo Zapata
Rojas Guardia fundó el grupo Tráfico en 1981. Antonio López Ortega escribe sobre él:
“La poesía de Rojas Guardia se erige desconfiada en contra de una tradición cultural y forja su mundo propio al exigirle a la lírica que abandone sus tópicos habituales y que encare desnuda la materia turbia de nuestros días.” …

Esta mañana paseé la mirada por la hilera de mis libros predilectos, y me dejé atrapar por El dios de la intemperie (segunda edición publicada por la Universidad de Los Andes en 2003). Releo este texto que me increpa e interroga:
“Quién eres, tú sonoro al fondo de mí mismo? ¡Cómo te llamas, horizonte presentido, paisaje último donde el gozo no puede saber sino a agonía (…) rayo de muerte que sin embargo incendia toda vida (…) ¡Quién eres, canto irreprimible, color inesperado, brillante y sutilísimo, ventana central de la alabanza, de una complacencia sobrecogida y tierna (si la ternura puede colindar con el espanto de una dicha inencontrable, pero cierta como el sol?)”

El dios de la intemperie, un libro fascinante que va mucho más allá de un ensayo místico o filosófico, una obra profundamente lírica y humana que deja huella imborrable en el espíritu.
Pero lo hermoso de este día va aún más allá. Abro las páginas del Papel Literario de El Nacional y encuentro un homenaje de Armando Rojas Guardia a Elizabeth Schön. Se trata de un ensayo sobre el poemario Luz oval (Colección Papiros, Equinoccio USB 2007). La sabiduría de Armando se conjuga con la poesía de Elizabeth, camino de serenidad hacia el centro, hacia el alma.
En la intemperie de este mundo donde de nada vale refugiarse en la superficie de de los juegos sociales, hay un lugar recóndito, sustancial, en el cual se da el reencuentro con el Ser que ES, y se ilumina la nada que somos con su Presencia infinita.
Concluyo este brevísimo viaje a través de El dios de la intemperie. Sus páginas me aguardan.

* Armando Rojas Guardia, Ana María Del Re y Carmen Cristina Wolf

La vocación de nombrar

2009-08-16T16:11:00.000-07:00

Por Carmen Cristina Wolf

Infancia significa confiar. Los niños confían en el mundo que los rodea. Creen en lo que les decimos. Y si no les ha sucedido algún hecho lamentable que les genere temor, los niños no sienten miedo.
Pero el tiempo pasa por nosotros y sobrevienen los temores, las dudas. A unos kilómetros de distancia nos aguarda el desgaste, la vejez y la muerte. El mundo es contradictorio y las personas también.
Somos justos a veces, otras veces somos injustos. Somos generosos y egoístas. Llevados por corrientes encontradas, a través de un río entre luz y sombras que no elegimos. Ello produce un desasosiego, y quisiéramos navegar siempre por el lado luminoso de las aguas.
Se puede abordar la existencia de diversas formas, tantas como personas hay en este mundo. Pero en esencia, podría decirse que una manera es el descreimiento de todo, la amargura, el desaliento absoluto. Nos convertimos en seres quejumbrosos, perdemos la capacidad de admirar el misterio que es la Vida.
La otra consiste en plantarse en este mundo con admiración y asombro, amarlo, imaginarlo diferente, buscar aquello que ES en nosotros, el Ser que sostiene todo cuanto existe. La poesía en una visión del mundo y un lenguaje que lo transforma. Es un cordel lanzado al caminante para que se siente un rato a conversar.
El lenguaje es el don más grande que se le ha dado al ser humano. La poesía es perfectamente inútil, no tiene precio en el mercado, no puede cambiarse por monedas ni venderse en la bolsa de valores. La poesia es un encuentro con el ser más íntimo, es un puente tendido al otro, una invitación al dialogo y a la comunion.

Nombrar significa intentar la representación de las cosas con exactitud. En un comienzo, las palabras tienen el poder de recrear los objetos con verdadera eficacia.
La vida de los pueblos y su evolución se refleja y revela en el lenguaje. Aquello que no puede ser nombrado es como si no existiera. Por ello los hombres que han alcanzado cierto grado de sabiduría le dan tanta importancia al lenguaje. Octavio Paz en su libro El arco y la lira reseña que en el Libro XIII de los Anales, le preguntaron a Confucio: “Si el Duque de Wei te llamase para administrar su país, ¿cuál sería tu primera medida? El Maestro dijo: La reforma del lenguaje. No sabemos donde empieza el mal, si en las palabras o en las cosas, pero cuando las palabras se corrompen y los significados se vuelven inciertos, el sentido de nuestros actos yde nuestras obras también es inseguro.”
Imaginemos que los vocablos “libertad”, verdad, justicia, paz”, valores sobre los cuales se asienta nuestra existencia, cambiasen sustancialmente de significado, bien sea por un desgaste en su significación, por el mal uso que se haga de ellos, bien sea porque un régimen autoritario pretenda alterar se esencia para sus propios fines. Los fundamentos de la sociedad se ven afectados en lo más profundo.
Verbigracia, la palabra amor en algunas épocas se agota. Un gobernante que constantemente dice “amar” a su pueblo, y su conducta avergüenza a los gobernados, por estar reñida con la ética y el bien común, producirá en la gente desconfianza e indiferencia. La palabra amor irá siendo cada vez menos utilizada.
El término igualdad ha sido invocado como bandera por los sistemas comunistas y socialistas. Es una aberración pretender que todos los seres humanos seamos iguales. Seríamos copias al carbón unos de otros y perderíamos lo más valioso y sagrado, aquello que es esencial a la naturaleza humana: la libertad. Otra cosa muy importante es la igualdad de derechos y deberes, la igualdad de todos los hombres en el respeto a la dignidad. Esto es fundamental. Los regímenes comunistas pretenden sacrificar la libertad para lograr la igualdad. Esto es monstruoso, pues quebranta la esencia del ser humano: el hombre es en esencia libertad.
El lenguaje nos acompaña dentro y fuera de nosotros como el aire. Sin él la vida humana deja de serlo. Cuando a Confucio le preguntaron qué sería lo primero que haría él si fuera gobernante de un pueblo, contestó: “Emprendería la reforma del lenguaje”. Porque el significado sesgado o distorsionado que se da a un vocablo, cuando es usado por el poder para torcer la voluntad de los ciudadanos, es el mayor de los peligros y la peor violencia que se puede ejercer: abolir el libre albedrío. Si se analiza un régimen desde el punto de vista de la semántica, allí veremos retratadas sus intenciones.

& & &

*Este ensayo pertenece al libro enédito Tejedores de signos, de Carmen Cristina Wolf

Alexander Ritter y sus Pensamientos incinerados

2009-08-15T16:16:00.000-07:00

Por Carmen Cristina Wolf

El poeta más joven del Círculo de Escritores de Venezuela es Alexander Ritter Alzamora. Con sólo 15 años de edad, ha publicado cuatro poemarios. Es un ciudadano del mundo, pues nació en México y ha vivido parte de su infancia en Venezuela y ahora en Bélgica. Escribe en francés y en español, y la Embajada de México en Venezuela ha editado el libro Poemas incinerados.

Fue presentado el 13 de mayo en la residencia del Embajador de México con la asistencia de numerosos intelectuales y artistas. Alexander ofreció un recital, precedido por un ensayo crítico de la escritora Lupe Rumazo. La lectura de sus poemas, en francés y en español, me causaron una honda emoción que no olvidaré y prometo a nuestros lectores que pronto publicaremos una selección de ellos.

E·s sorprendente el dominio del lenguaje, la profundidad y belleza de la poesía de este joven poeta, que confiesa que "la poesía es autenticidad emocional". çEl miso se compara con el personaje de Un capitán de 15 años, de Julio Verne. En la contraportada de la obra, impresa con el sello Cienfuegos Editores, se leen palabras escritas por José Saramago, Premio Nobel de Literatura, que revelan el valor de estos versosm no solo por sus juicios y reflexiones, sino por el trabajo de Alexander de transformar sus ideas y visiones en versos cuidados.

Alexander revela que "El espacio entre nosotros, que nos divide, es una separación que nos duele a todos"

A los 10 años de edad la Casa Nacional de las Letras Andrés Bello de Venezuela ofreció una tertulia y un recital en su honor y fue recibido por el Senado belga en representación de los niños poetas mexicanos. El joven señala entres sus poetas favoritos a José Emilio Pacheco, Neruda y Rubén Darío. Afirma que no quiere comproter su arte con ninguna ideología.

Libros publicados: ¡Y pensar que las hojas del otoño en otro tiempo estaban vivas...!; La creación de la creación (Círculo de Escritores de Venezuela 2005); Fisuras (Ediciones Embajada de México, 2007)

Memoria de mis días de Lucila Velásquez

2009-08-15T09:21:00.000-07:00

Uno de los libros más interesantes que he leído en el 2009 es Memoria de mis días, de la escritora venezolana Lucila Velásquez. Fue editado por Random House Momdadori, en España.
La autora hace un analísis de su concepción de la poesía y revisa las distintas etapas de su creación. También es una crónica del acontecer político y social de Venezuela en el siglo XX y de su participación en la resistencia frente a la dictadura de Marcos Pérez Jiménez.

Un espacio para la crítica literaria en Hispanoamérica

2009-08-15T08:43:00.000-07:00

¡Bienvenidos a este espacio creado para escribir sobre la escritura del pasado y del presente!

En Venezuela es difícil encontrar escritores que se dediquen al análisis crítico de las obras literarias.

He dedicado buena parte de mi vida a estudiar la poesía hispanoamericana, y encuentro este trabajo apasionante. Este blog estará especialmente dedicado a recoger las notas y ensayos de los autores que deseen enviar colaboraciones que contribuyan a dar a conocer la literatura escrita en español.